CINE NEGRO

HOY

GRAN ESTRENO

ACCEDE A LA NUEVA SECCION DE CINE NEGRO

Cadena perpetua

De las 7 nominaciones que recibió no se llevó ninguna. Competía contra dos colosos como Pulp Fiction y Forrest Gump y aún así nadie la tachó de perdedora. Porque todos los que la hemos visto sabemos que pulula por la cima de las más grandes películas jamás filmadas. Yo estuve dos horas y media pegado a la butaca del cine sin apenas pestañear, saboreando todos los minutos y suplicando que fuese más larga, pues me daba cuenta que la estaba viendo virgen y que ésto era una obra maestra. La cara del personal saliendo de la sala tampoco se me olvida: la de la satisfacción idiota. Cara de tonto feliz. Feliz por haber sido participe de algo grande, y de tonto porque todavía no puedes comentar nada hasta que se vaya esa sensación tan agradable.

Pero lo más grande es la última media hora. Cuando estaba pidiendo a dios sabe quién, que Cadena Perpetua durara más tiempo, me regalaron el que para mí es el mejor desenlace de la Historia del Cine, por la duración de su metraje, por como ata cada uno de los cabos y por estar espléndidamente filmada. Media hora que nos dejó fascinados, insisto, a las mil personas que llenábamos la que entonces -ya desaparecida- fue la sala más grande de Donosti. El boca a boca fue el éxito más contundente de Cadena Perpetua. "Ey, tenéis que ir a ver esa película, es alucinante..." O algo así, supongo.

 

Basada en un cuento de Stephen King, Darabont adaptó un guión magistral en el que era su debut. Este film, dicen los mentideros, impresionó sobre todo a adolescentes y veinteañeros por contar una de las mejores historias de amistad entre hombres. Acostumbrados a ver tipos duros que chocaban los cinco, forzados aquí a mirar con otros ojos a los protagonistas y su historia, simplemente alucinaron. Personalmente, creo que es la historia más hermosa nunca contada sobre la amistad entre dos hombres. Morgan Freeman, como luego hiciera en Million Dollar Baby, es el personaje principal que nos narra durante todo el metraje las andanzas de su amigo, del que al final te das cuenta, que no sabías nada.

Creo que Morgan Freeman hace el papel de su vida aquí, y no en Paseando a Miss Daisy o en Million Dollar Baby. Lo mismo de Tim Robbins, su expresividad ausente creo que le venía como anillo al dedo al personaje de Dufresne. Los secundarios, todos de lujo: el alcaide perfecto, el capitán de celadores ídem, James Whitmore -el viejecito- inolvidable, la timba de presos que acompaña a nuestros amigos otro tanto. Todos perfectos. Una gran dirección con todos ellos. Nadie pienso que lo ponga en duda.

En resumen, una obra maestra como la copa de un pino. Un film que, aunque no te enseñe nada nuevo, te hace amar el cine como pocos. Una fotografía acertadísima, un montaje excelente y una adaptación colosal. Requeterequeterecomendable.

OBRA MAESTRA

"Lo más gracioso es que cuando entré en prisión, yo era un hombre bueno y honrado; y aquí, me he convertido en un ladrón."

TÍTULO ORIGINAL	The Shawshank Redemption
AÑO	1994
DIRECTOR	Frank Darabont
GUIÓN	Frank Darabont (Relato: Stephen King)
MÚSICA	Thomas Newman
FOTOGRAFÍA	Roger Deakins
REPARTO	Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, James Whitmore, Gil Bellows, William Sadler, Mark Rolston, Clancy Brown, David Proval
PRODUCTORA	Columbia Pictures / Castle Rock Entertainment
PREMIOS	1994: 7 nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película, actor (Morgan Freeman) 1994: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor actor drama (Freeman), guión
SINOPSIS	Acusado del asesinato de su mujer, Andrew Dufresne (Tim Robbins), tras ser condenado a cadena perpetua, es enviado a la cárcel de Shawshank. Con el paso de los años conseguirá ganarse la confianza del director del centro y el respeto de sus compañeros de prisión, especialmente de Red (Morgan Freeman), el jefe de la mafia de los sobornos.
CRÍTICAS	---------------------------------------- En las nominaciones a los Oscars de 1994 apareció una "desconocida" película con 7 nominaciones, dirigida por un novato y con un reparto sin estrellas. Pero ese año "Forrest Gump" arrasó con todo y este drama carcelario se fue de vacío. Desde entonces ha habido una constante reivindicación de la calidad y del conjunto de valores que encierra esta entrañable y entretenidísima historia sobre la amistad. El guión (basado en el relato de Stephen King "Rita Hayworth and Shawshank Redemption") te atrapa poco a poco en un crescendo magistral, regalando uno de los finales más bellos de las últimas décadas. Robbins nunca ha estado mejor, provocando con su contenida interpretación una empatía que me recuerda a Gregory Peck en "Matar a un ruiseñor". Y por último está Morgan Freeman, con una mirada tierna y sincera que te sentencia a quererlo a perpetuidad, sin necesidad de cadenas. Todavía cumplo condena.  ---------------------------------------- "Un clásico del cine carcelario que huye del espectáculo barato para ahondar en la amistad de la pareja protagonista" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) ----------------------------------------

Aterrizas como puedas

 

Histórica producción que junto a las películas de Monty Python sembrarían las bases del cine absurdo más extremo, directo y simple que podamos encontrar. Una auténtica guía acerca de cómo hacer una comedia y más concretamente del cine de parodias, que más de uno debería reversar antes de ponerse a escribir el guión de su próxima película del género la cual no hará más que caer en la más profunda reiteración de lo ya visto. 

Con aterriza como puedas llego una nueva manera de hacer cine cuyos directores utilizaron posteriormente en repetidas ocasiones (con ambiguos resultados) y que presenta a Leslie Nielsen como actor cómico, interpretando a un inexpresivo doctor de lo mejorcito de la película. Por si fuera poco, la película incluye a Lloyd Bridges, que junto al primero serían dos actores fetiches de los alocados directores. La película esta llena de escenas memorables que harán como mínimo sonreír al más serio de los espectadores. Una auténtica lección de absurdez de alto nivel. Absolutamente indispensable del género. "Aterriza Como Puedas" es un clásico entre las comedias de humor absurdo, es una de esas películas frescas y ligeras que apetece ver de vez en cuando. De hecho es una de las mejores opciones si lo que queremos es echarnos unas risas, ni más ni menos. Aún siendo una película con muchísimos gags (fácil, puede tener uno o dos por minuto), en ningún momento se hace pesada por ello.... es más, son precisamente los momentos más "serios" (me refiero a los que tienen menos gags, como esos flashbacks romanticos del protagonista) los que frenan en algún momento el excelente ritmo general de la película. Con todo, estamos hablando de una película totalmente recomendable. Sobretodo para ese espectador que sepa reirse hasta de su propia sombra.

TÍTULO ORIGINAL Airplane!

AÑO 1980

DIRECTOR

Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker

GUIÓN

Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker

MÚSICA

Elmer Bernstein

FOTOGRAFÍA

Joseph Biroc

REPARTO

Robert Hays, Julie Hagerty, Lloyd Bridges, Leslie Nielsen, Peter Graves, Robert Stack, Kareem Abdul-Jabbar, Stephen Stucker, Jonathan Banks, James Hong, Ethel Merman PRODUCTORA Paramount Pictures presents a Howard W. Koch Production GÉNERO Comedia | Comedia absurda. Parodia. Aviones SINOPSIS El vuelo 209 de la Trans American sale de Los Ángeles con destino a Chicago. Entre el pasaje se encuentran una serie de curiosos personajes. Entre ellos, un ex-piloto de combate que, en pleno vuelo, se verá obligado a hacerse con el mando del avión comercial, tras quedar los pilotos indispuestos por una comida en mal estado.

¿Le ha dejado la novia?¿Acaba de quedarse sin trabajo?¿Observa irrefrenables deseos de suicidarse? Pues alquílese esta película.... y luego ya puede tirarse por la ventana, porque lo peor de esta incontestable obra maestra de la comedia absurda es que ninguna de sus decenas de secuelas e imitaciones se le acerca siquiera. El truco, aparentemente sencillo, consistía en disfrazar constantemente lo obvio de ridículo, en convertir lo sencillo en absurdo. "Airplane" consiguió lo imposible: un gag impagable por minuto. Luego vinieron muchas películas más, pero intentando imitar se lanzaron por el camino de la saturación. No hicieron sino agrandar el mito de esta descomunal fábrica de carcajadas. En dura competición con los films de los Monty Python como el delirio cinematográfico más desternillante del cine moderno, legiones de seguidores estamos de acuerdo en que su humor es simple... simplemente genial.

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"Humor fresco y algunos gags bastante imaginativos llevan al espectador a pasar unos momentos de auténtica diversión (...) Carcajadas fáciles pero efectivas" (Fernando Morales: Diario El País) ----------------------------------------

Péplum

HOY 

GRAN ESTRENO

abrimos la nueva sección dedicada al Péplum, el género fílmico que popularmente puede conceptualizarse como cine histórico de aventuras

    puedes localizarla en la barra lateral
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Red State

Hace aproximadamente doce años, Kevin Smith se infiltró en una manifestación religiosa para protestar contra una de sus propias películas. Aquel día, el director, que increíblemente logró pasar desapercibido, fue recriminado por los demás protestantes por exhibir una colorida pancarta “extremadamente” ofensiva: DOGMA IS DOGSHIT. La broma quedó redonda cuando Smith, concentrado en su papel de exaltado religioso, acabó siendo entrevistado por una bella periodista del canal doce: ¿Qué hace aquí? - Vine a protestar por la película - ¿La vio? - No, pero me dijeron que es realmente mala - ¿Ha visto alguna película de este director? - No. Bueno sí, vi Clreks ¡Fue muy divertida! Pero no veré nada más - ¿Cómo se llama usted? - Emmmm… Bryan Johnson. Esa misma noche, Bryan Johnson apareció en el noticiario del canal doce hablando de lo mala y ofensiva que era la película Dogma. No es la única anécdota de Smith con los grupos religiosos radicales. En la fase de post producción de Dogma, recibió cerca de 300 cartas llenas de odio. Una de esas cartas se le quedó grabada en la memoria: “Judios (refiriéndose a los directores de Miramax y Dimension) usen el dinero que nos robaron y compren chalecos antibalas porque iremos con escopetas. Sus hermanos en Cristo.”

Y la chispa saltó.

En Red State, el director de Nueva Jersey da rienda suelta a su cruzada particular contra el fanatismo religioso. Inspirada en Fred Phelps (líder de la Westboro Baptist Church) la película presenta una extraña mezcla de géneros, desarrollándose en una peculiar estructura que busca romper convencionalismos narrativos. Lo que empieza como una típica película de terror adolescente acaba convirtiéndose en una ensalada de tiros propia del cine de acción más surrealista, no sin antes atravesar una fase discursiva que también coquetea con temas como la doble moral policial. Por el camino se dejan caer algunos diálogos de humor tosco propios de Smith, sobre todo al principio del film, aunque esta vez el director se centra más en otorgar un tono estilistico que recuerda en algunos apartados a The Devil's Rejects (2005) de Rob Zombie.

El peso de la historia recae sobre tres grupos de personajes diferenciados que bien podría dividir la película en tres actos: chicos adolescentes en busca sexo, fanáticos religiosos y cuerpos de seguridad. Los tres grupos son criticados con humor negro y violencia extrema, recibiendo cada uno de ellos su correspondiente dosis correctiva. A Smith le acompañan buenas interpretaciones, a destacar la de Michael Parks, Melissa Leo y John Goodman. Un refuerzo nada desdeñable que ayuda, entre otras cosas, a que el embrollo en que se mete el director no acabe por fracasar del todo.

En definitiva, Red State se queda a medio camino en sus intenciones, sacrificando una premisa que invitaba a un desarrollo más profundo a cambio de un trato superficial y algo caótico que, no obstante, regala algunos buenos momentos.

La película fué premiada en el Festival de Cine Fantástico de Sitges (2011). Un galardón que viene a recompensar la labor de uno de los directores clave del cine indie estadounidense de los noventa, con trabajos como Clerks (1994), Mallrats (1996) y la celebrada Chasing Amy (1997). Kevin Smith agradeció el premio por videoconferencia con un discurso en el que se atrevió a chapurrear español, regalando a los asistentes lo que ha sido calificado como el mejor momento de la gala de clausura del festival.

TÍTULO ORIGINAL	Red State
AÑO	Ver trailer externo 2011
DIRECTOR	Kevin Smith
GUIÓN	Kevin Smith
MÚSICA	Varios
FOTOGRAFÍA	Dave Klein
REPARTO	Michael Parks, Michael Angarano, Kerry Bishe, Nicholas Braun, Kyle Gallner, John Goodman, Melissa Leo, Kevin Pollak, Stephen Root, Matt Jones, Cooper Thornton, Kevin Alejandro, Marc Blucas, Ralph Garman, James Parks, Betty Aberlin, Jennifer Schwalbach, Patrick Fischler, Damian Young, Anna Gunn
PRODUCTORA	The Harvey Boys / NVSH Productions
WEB OFICIAL	http://coopersdell.com/
PREMIOS	2011: Festival de Sitges: Mejor película y actor (Michael Parks)
SINOPSIS	Tres adolescentes con las hormonas al rojo vivo contestan a un anuncio de una mujer madura que busca sexo. Siendo chicos los chicos, se lanzan a la carretera para satisfacer sus urgencias libidinosas. Pero lo que empieza como una fantasía da un oscuro giro cuando se enfrentan a una terrorífica fuerza "sagrada" con una agenda pendiente fatal. Historia inspirada en la figura real de Fred Phelps, el líder de un grupo religioso extremista que se hacía llamar la Iglesia Bautista Westboro.
CRÍTICAS	---------------------------------------- "Esta es una de esas películas que son más 'interesante' que 'buena'. Smith tiene tanto material potente que ofrecer que es una pena que el contenido esté tan descuidadamente envuelto. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Kim Newman: Empire) ---------------------------------------- "Esta es la obra de un director innato que ha decidido explorar nuevos territorios, y descubrimos que es condenadamente bueno en ellos. (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Rene Rodriguez: Miami Herald) ---------------------------------------- "Es como una navaja blanda lanzada salvajemente, de forma previsible e ineficaz a su audiencia. (...) un thriller de terror descuidadamente construido" (Justin Chang: Variety) ---------------------------------------- "A pesar de su profusa irreverencia y sus estallidos de violencia, la película resultar ser más un vago quejido que un vibrante puñetazo de indignación. (...) Alterna el horror y la sátira sin llegar a ser lo suficientemente hiriente ni lo bastante aterradora." (A. O. Scott: The New York Times) ---------------------------------------- "Red state es, al mismo tiempo, una buena noticia y una oportunidad perdida. (...) Ojalá todo ese ímpetu hubiese cristalizado en una película más rotunda y carismática, menos desarticulada." (Jordi Costa: Diario El País) ---------------------------------------- "El espíritu de denuncia y el presunto humanismo de 'Red State' están subrayados hasta la extenuación. Pero el cambio de tono le ha sentado bien a Kevin Smith (...) logra invocar una atmósfera densa y perturbadora inédita en sus películas anteriores" (Sergi Sánchez: Diario La Razón) ---------------------------------------- "Smith no se muerde la lengua a la hora de exponer, con una ferocidad desatada y sobrado sarcasmo, una sociedad podrida hasta el tuétano. Es una película exenta de concesiones (...) Por primera vez Smith nos deja magullados (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia) ---------------------------------------- "El director (...) marca bien el tono y propone varias situaciones de lucidez e impacto incontestables. Tiende, no obstante, a una repetición continua, que más que aguzar la sátira, más que contagiar la agonía, hace que se torne obvia y un punto cansina." (Desirée de Fez: Fotogramas) ---------------------------------------- "'Red State' resulta más interesante como punto de partida que por sí misma (...) Siendo una película fallida y descompensada, es lo más osado y genuino que ha rodado desde aquella conversación sobre la Estrella de la Muerte" (Manuel Piñón: Cinemanía) ----------------------------------------

Hamlet

"Hamlet", versión 1996, es como una puesta al día de lo que hiciera Lawrence Olivier allá por el Pleistoceno. Además carga con el mismo lastre, un actor empeñado por sus santos testículos de que él y sólo él puede realizar el Hamlet definitivo. A favor de la versión de Branagh, está que se hace uso del texto íntegro, comas y puntos incluidos (aunque depende de la paciencia del espectador, puede que se vuelva en su contra) que el reparto es bastante superior al de la versión Olivier y que al menos Branagh no se pone a hacer posturitas ridículamente atormentadas, si bien su conocida afición a dar saltitos y respinguitos le traiciona en alguna que otra escena.

Los nombres que jalonan el casting son de auténticas campanillas, algunos son adecuados, otros no sabemos qué hacen allí (¿Billy Crystal?) y los menos actúan bien pero les pega el papel tanto como a mí ser luchadora del pressing catch. Destacaría muy por encima del resto a una fenomenal Kate Winslet, al gran Derek Jacobi y a un sólido Richard Attenborough, además de al director barra actor.

La ambientación cambia un poco situándose en pleno siglo XIX, nada que objetar, el vestuario y demás complementos están perfectos. El cambio de escenario y la adaptación del texto tienen la bastante vida como para no poder reprocharle demasiada teatralidad a la película. En realidad los defectos en sí se encontrarían en algunos pasajes de diálogos que se leen mejor de lo que se oyen, cierta tendencia a declamar en lugar de interpretar y (esto ya es muy personal) en la muerte de Ofelia que pide...a gritos...¡al maldito Waterhouse!

Para el espectador no muy versado en el libro, quizás se haga larga y algo tediosa, sobre todo la primera parte que en esta historia es la más reflexiva. A partir del regreso de Hamlet de Inglaterra, la cosa se anima hasta llegar al satisfactorio y consabido combate, en el cual el adelanto con respecto a la versión de Olivier es muy notorio, siendo como es una secuencia espectacular (y con un desatado Branagh pegando gigantescos brincos).

Imprescindible para el shakesperiano, recomendable para el cinéfilo

TÍTULO ORIGINAL	Hamlet
AÑO	1996
DIRECTOR	Kenneth Branagh
GUIÓN	Kenneth Branagh (Teatro: William Shakespeare)
MÚSICA	Patrick Doyle
FOTOGRAFÍA	Alex Thomson
REPARTO	Kenneth Branagh, Derek Jacobi, Kate Winslet, Julie Christie, Richard Briers, Brian Blessed, Michael Maloney, Charlton Heston, Billy Crystal, Jack Lemmon, Timothy Spall, Reece Dinsdale, Gérard Depardieu, Robin Williams, Richard Attenborough, Rosemary Harris, John Mills, Rufus Sewell, Simon Russell Beale, Nicholas Farrell, John Gielgud, Judi Dench
PRODUCTORA	Castle Rock Entertaiment
PREMIOS	1996: 4 Nominaciones al Oscar: guión adaptado, dirección artística, vestuario, bso 1996: 2 nominaciones BAFTA: Mejor vestuario, diseño de producción
SINOPSIS	Cuando Hamlet, el príncipe heredero de Dinamarca, regresa a su patria, recibe la noticia de que su padre ha fallecido y de que su madre, la reina Gertrudis, se va a casar con su tío Claudio. El espectro de su padre le revela que el responsable de su muerte es Claudio. A partir de entonces, Hamlet sólo pensará en vengar la muerte de su progenitor.
CRÍTICAS	---------------------------------------- Deslumbrante adaptación del texto inmortal de Shakespeare. Branagh despliega durante 4 horas toda una exhibición de su talento en una apabullante obra maestra, no del todo reconocida, que aúna en cada plano, con insuperable brillantez, una gran lección de cine y un canto de amor al teatro. Así, a mediados de los años noventa, casi de tapadillo -fue un fracaso total de taquilla-, surgió un clásico imprescindible con un reparto que corta el aliento.  ---------------------------------------- "Impresionante versión del clásico sin tiempo para el bostezo" (Begoña Arce: Cinemanía) ---------------------------------------- "Deslumbrante, alarde decididamente hipnótico" (Luis Martínez: Diario El País) ----------------------------------------

Somos ¸. * Los sabandeños ¸. * Frenesí ..... Lisa Ono.

San Juanito - Los Sabandeños

The Artist

The Artist no es un homenaje en exclusiva al cine mudo. Tampoco es cine mudo. Es un homenaje presente al cine grande del pasado y, muy especialmente, al gran cine de Hollywood. Es una fiesta, una celebración. Un caudal de cine con sonrisa.

La banda sonora es relevante, incluso en la elección de los silencios.

La única regla formal de Michel Hazanavicius es la ausencia de color –quizás, el número final hubiera ganado en emoción e impacto con el color de ‘Cantando bajo la lluvia’.

El protagonista se apellida Valentin(o), pero recuerda a Douglas Fairbanks.

El cine inunda cada fotograma…

‘Vértigo’ (la música de Herrmann; el jardín de la mansión, tan parecido al cementerio; la búsqueda en el coche…). ‘Umberto D’ (el mismo perro, Flike, salva a su amo). ‘El crepúsculo de los dioses’ (el proyector, la decadencia). ‘Él’ (la habitación desquiciada; el horror de las risas y los gestos). Rebeca (la sobrexposición de luz en esa alcoba). ‘El nacimiento de una nación’ y su trepidante montaje en paralelo… El plano Lubitsch de las escaleras, preciso y elegante: unos suben y otros bajan, pero el cine fluye sin parar. Algún destello hay de ‘Ciudadano Kane’ y de ‘Sunrise’... El catálogo de citas sería interminable y, sin embargo, se incorporan al desarrollo de la historia con toda naturalidad. No se trata de guiños o de adornos navideños: son parte de la esencia de la cinta.

Hablan los carteles: GUARDIAN ANGEL, LONELY STAR…

El protagonista se hunde. Intuimos un desenlace similar al de ‘Ha nacido una estrella’ –más de una vez, he pensado en la sonoridad de la frase: “Soy la señora de George Valentin” como colofón sonoro a la película.

Es excelente la pesadilla con efectos de sonido o, más bien, la idea muy original de que los efectos de sonido sean, en palabras de Max Estrella, “el dolor de un mal sueño”.

La sonrisa de Jean Dujardin es el hilo conductor de la película. Esa sonrisa simboliza una manera de hacer cine. Un cine puro, felicísimo, sencillo, intemporal. Lo nuevo (ella) se alía con lo viejo (él) y, juntos, inventan a Gene Kelly.

De la aleación del mudo y el sonoro nace el musical. Y el cine nunca pierde la sonrisa.

TÍTULO ORIGINAL	The Artist
AÑO	Ver trailer externo 2011
DIRECTOR	Michel Hazanavicius
GUIÓN	Michel Hazanavicius
MÚSICA	Ludovic Bource
FOTOGRAFÍA	Guillaume Schiffman (B&W)
REPARTO	Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Joel Murray, Ed Lauter, Beth Grant, Bitsie Tulloch, Ken Davitian
PRODUCTORA	Wildbunch / La Petite Reine / Studio 37 / La Classe Américaine / JD Prod / France3 Cinéma / Jouror Production / uFilms
WEB OFICIAL	http://weinsteinco.com/sites/the-artist/
PREMIOS	2011: 5 Oscars: Mejor película, director, actor (Dujardin), BSO, vestuario. 10 nomin. 2011: 3 Globos de Oro: Mejor película comedia/musical, actor (Dujardin) y BSO. 6 nomin. 2011: 7 premios BAFTA, incluyendo mejor película, director, guión original. 12 nomin. 2011: 6 Premios Cesar, incluyendo mejor película y director. 10 nominaciones 2011: Festival de Cannes: Mejor actor (Jean Dujardin) 2011: Independent Spirit Awards: Mejor película, director, actor y fotografía. 5 nominaciones 2011: Critics Choice Awards: 4 premios, incluyendo mejor película. 11 nominaciones 2011: Festival de San Sebastián: Premio del público 2011: Premios del Cine Europeo: Mejor banda sonora. 4 nom., incluyendo mejor película 2011: Premios Goya: Mejor película europea 2011: Satellite Awards: Mejor dirección artística. 5 nominaciones, incluyendo mejor película 2011: Producers Guild of America: Mejor película 2011: Premios de la Crítica de Washington (WAFCA): Mejor película 2011: Directors Guild of America (DGA): Mejor director 2011: Screen Actors Guild: Mejor Actor (Dujardin) Nominados Actriz secundaria, reparto 2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y director 2011: Festival de Hampton: Mejor película (Premio del público) 2011: Festival de Sevilla: Premio del público 2011: Nominada Premios David di Donatello: Mejor película de la Unión Europea
	Hollywood, 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller, que empezó como extra al lado de Valentin, se convierte en una estrella del cine sonoro.
CRÍTICAS	---------------------------------------- "¡Amor! ¡Romance! ¡Hollywood! (...) Una postal de amor a las glorias del cine mudo, un triunfo de la teleportación artística, una pura efervescencia que le da al disfrute de masas su buen nombre" (Sukhdev Sandhu: Telegraph) ---------------------------------------- "'The Artist' muestra un amor ilimitado por el aspecto y el espíritu de los años 20 y también por el estilo de las películas (...) Un disfrute difundido en amplias dosis" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter) ---------------------------------------- "Aunque podría decirse que es un poco amanerada, [The Artist] tiene algo que el público anhela tanto en los festivales como en los multicines: una historia realmente buena" (Peter Bradshaw: The Guardian) ---------------------------------------- "'The Artist' encapsula todo lo que nos hace ir a las películas: acción, risas, lágrimas y una oportunidad de perderse en otro mundo: ¿cómo pueden resistirse los Oscar? (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone) ---------------------------------------- "En una época en la que las películas suelen ser asaltos sónicos y su significado puede perderse entre el barullo de explosiones, tiros y coches que chocan, 'The Artist' tiene una pureza completamente seductora (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today) ---------------------------------------- "Hazanavicus sorprende con una película muda entretenida. (...) un divertimento tan logrado como delicioso." (Luis Martínez: Diario El Mundo) ---------------------------------------- "Brillante (...) una miniatura de orfebre que reivindica nuestras deudas con el cine de los orígenes" (Sergi Sánchez: Diario La Razón) ---------------------------------------- "Al final no propone nada más que un divertimento, sin ese encanto que busca incansablemente su director (...) agradable, pero insípida" (Sara Brito: Diario Público) ---------------------------------------- "Todo fluye con inteligencia, gracia y sentimiento (...) Y todos los espectadores con cerebro y corazón en un determinado momento nos ponemos a bailar claqué aunque no sepamos. Y aplaudimos. Y salimos del cine con una sonrisa duradera y el alma gozosa" (Carlos Boyero: Diario El País) ---------------------------------------- "Es la película más luminosa y fascinante de los últimos años (...) Hay tantas escenas inolvidables, tantos momentos de cine puro y grande, que 'The artist' queda condenada a perpetuidad a ser una de esas obras que te obligan a amar el cine. Muda, sí, pero imposible no oírla..., e imperdonable no verla" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC) ---------------------------------------- "¿En una palabra? Maravilla. (...) hermosa, emotiva, sentida e imprescindible película (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia) ---------------------------------------- "Hazanavicius ha proyectado buena parte de la historia del cine clásico en la memoria iconográfica del celuloide silente para certificar (...) que la vitalidad de su futuro está escrita en sus orígenes. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas) ---------------------------------------- "'The Artist' camina en el alambre todo el tiempo. Se la juega, arriesgando en la forma con el espectador medio y domando al cinéfilo de pro con su fondo. Por eso es, de largo, la mejor comedia en muchos años (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía) ---------------------------------------- En silencio, tan llena de vida como ligera de voces y colores, esta sorprendente obra maestra ha ascendido ya al paraíso del séptimo arte, donde seguro que varios genios pioneros habrán comentado lo encantados que están con su homenaje. Acomodada en una pequeña sala de joyas del siglo XXI, rodeada de obras de Pixar, "The Artist" observará sonriente cómo todas las críticas aluden a que es muda y en blanco y negro como un supuesto "inconveniente", cuando es obvio que son precisamente las dos bazas sobre las que se sostiene su relato irresistible. Y el que sea francesa (quizá la filmografía occidental más alejada de la norteamericana) tan solo es un dato feliz que sentencia lo global que es este arte. Por último un modesto consejo a los padres de jóvenes adolescentes: saquen a sus hijos de las consolas y llévenles a ver "The Artist", porque es casi seguro que en un par de décadas ni se acuerden de la pasión que derrocharon por crepúsculos y harrypotters, pero más de uno recordará el día que vieron una obra que les inculcó parte de su amor por el cine en su estado más puro. Una absoluta maravilla.  ----------------------------------------

Y la creó para el escándalo

TÍTULO ORIGINAL	And God Created Woman
AÑO	1988
DIRECTOR	Roger Vadim
GUIÓN	RJ. Stewart
MÚSICA	Thomas Chase
FOTOGRAFÍA	Stephen M. Katz
REPARTO	Rebecca De Mornay, Vincent Spano, Frank Langella, Donovan Leitch, Judith Chapman, Jaime McEnnan
PRODUCTORA	Vestron Pictures

PREMIOS	1988: Nominada a los Premios Razzie: Peor actriz (Rebecca De Mornay)
SINOPSIS	Después de una estancia de seis meses en la cárcel, Robine decide escapar con el fin de encontrar un marido adecuado. Su peculiar forma de ser, desenfadada y provocativa, asombra a todos aquellos hombres que se cruzan en su vida.
	---------------------------------------- El director Roger Vadim vuelve a intentar repetir, treinta años después, el éxito de "Y Dios creó a la mujer" (And God Created Woman, 1957), film de culto con Brigitte Bardot. Lo cierto es que, exceptuando su título continuista y la bandera del erotismo de sus protagonistas, ambas películas tienen poco en común. En esta ocasión Vadim, experto en descubrir talentos femeninos, intentó lanzar a una desconocida y sexy Rebecca DeMornay, que interpreta a una ex-convicta que pretende enderezar su vida por el buen camino. Obtuvo malas críticas y ningún éxito de taquilla. El posterior éxito de la actriz con "La mano que mece la cuna" (The Hand that Rocks the Cradle, 1992) relanzó esta flojísima cinta en su mercado de video.

En el calor de la noche

Basándose en un excelente guión de John Bally & Stirling Silliphant, Norman Jewison nos recrea en la pantalla con una estupenda película “En el calor de la noche”, en la que nos mete de lleno sobre dos temas interesantes: el tema policíaco y el tema racista. Los dos son importantes en el film, y Jewison consigue desligarse de los viejos estereotipos, y las estructuras prefabricadas. La naturalidad y la sencillez, no solamente en el argumento sino que también en su aspecto visual, le aportan su propia personalidad.

De hecho el aspecto más importante de la película es el racismo, no en vano en todos los Estados del sur de Norteamérica, aún sigue siendo un tema tabú y mucho más si en un pequeño pueblo de Mississippi, en una calurosa noche de verano se encuentra a un hombre asesinado, y aparece de pronto un personaje de color y que por más señas es un detective de Filadelfia dispuesto a pesar del color de su piel, ha resolver el caso… Poco a poco vamos viendo todo ese entarimado lleno de tensiones racistas, y políticas con la finalidad de encontrar rápidamente al asesino, ya que la estancia en la población del detective del norte resulta cada vez más embarazosa.

Magnífico el dúo protagonista con un Sidney Poitier (pletórico en su papel) y un Rod Steiger (perfecto en un papel hecho a su medida) un policía rudo y pueblerino, que aparte de sus sentimientos racistas, sabe muy bien cual es la aplicación de la ley y el respeto que le debe a una persona que sabe y realiza mucho mejor su trabajo. Una notable película, premiada con cinco Oscar y del que sobresale el concedido a Rod Steiger como actor principal, quizás también Sidney Poitier se merecía otro.

Una película muy recomendable tanto por la historia como por las interpretaciones de los actores.

TÍTULO ORIGINAL	In the Heat of the Night
AÑO	1967
DIRECTOR	Norman Jewison
GUIÓN	Stirling Silliphant (Novela: John Ball)
MÚSICA	Quincy Jones
FOTOGRAFÍA	Haskell Wexler
REPARTO	Sidney Poitier, Rod Steiger, Warren Oates, Lee Grant, Quentin Dean, James Patterson, Matt Clark, Scott Wilson
PRODUCTORA	Warner Bros
PREMIOS	1967: 5 Oscars: Película, actor (Rod Steiger), guión adaptado, sonido, montaje. 7 nomin. 1967: Globo de Oro: Mejor película: Drama 1967: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película
SINOPSIS	En una pequeña población de Mississippi, el policía Sam Wood (Warren Oates) descubre el cadáver de un industrial. Poco después, detiene en la estación a un hombre negro que, tras ser interrogado por el jefe de la policía local, Billl Gillespie (Rod Steiger), resulta ser un inspector de la policía de Filadelfia llamado Virgil Tibbs (Sidney Poitier). Ambos policías deciden colaborar para investigar el asesinato.
	---------------------------------------- En un pueblo sureño de Estados Unidos, una noche aparece asesinado uno de los hombres más ricos del pueblo. En la estación de tren pocas horas después es detenido un hombre de color, que resulta ser un policía especialista en homicidios. Así comienza esta intenso -aunque excesivamente multipremiado- drama, con excelentes interpretaciones de Steiger y Poitier, que mezcla de forma interesante la intriga policiaca y la personalidad de dos policías muy diferentes con el racismo todavía latente en mucha ciudades y pueblos de América.

El mundo está loco, loco, loco

Un accidente en una autopista californiana lleva a varias personas a iniciar una loca carrera cuya finalidad será llevarse una fortuna escondida bajo una gran “W”. Gente de toda calaña participara del recorrido y lo transformara en un desastroso y demente viaje, su paseo hacia la riqueza.

Comiquísima Road-Movie orquestada por un cineasta obsesionado por llevar a la pantalla un consistente y afable mensaje social sobre los valores, la condición social, racial o económica, el gran Stanley Kramer. Esta vez alejándose del melodrama para probar en terrenos completamente distintos su característica sapiencia.

Una genial premisa, imitada hasta la saciedad e incluso llevada de nuevo a la pantalla en un agradable pero inferior remake, que no cuenta con el encanto ni la originalidad de la primera parte.

El slip-stick se hace presente en casi cada gag de esta entretenidísima cinta, llegando a momentos en extremo hilarantes, y que a pesar de su extenso metraje, se disfruta sin complicación alguna.

A su gran fotografía, guión, dirección y banda sonora se le suma un reparto de lujo, un conjunto de estrellas entre los que sobresale el gran Spencer Tracy, Micky Rooney, Sid Caesar, Buddy Hackett, Milton Berle, Terry-Thomas entre otros grandes de la comedia, contando además con memorables apariciones especiales o cameos entre ellos de Jerry Lewis o los geniales Three Stooges.

Un entrañable clásico de la comedia. Divertidísima. Tanto quer hasta tiene su versión made in Simpson.

El mundo está loco, loco, loco (I)

Stanley Kramer fue productor de más de una treintena de películas. Como director fue el epígono de eso que se conoció como cine con “mensaje”, género que dado el rumbo actual de este arte, está extinguido de nuestras pantallas. En esta delirante comedia combina estas dos facetas. Por un lado, como productor nos ofrece una película llena de “stars” de todas las décadas, desde el cine mudo (un cameo de Búster Keaton maravilloso; también está la espléndida Sazu Pitts, de “Avaricia”) hasta el reinante Jerry Lewis de los años 50/60 (¿Quién no iba a pagar el precio de una entrada por ver algo que la televisión aún no daba?). Por otro, como director nos ofrece una historia espléndida (por supuesto cargada de mensaje) en la que un grupo de automovilistas contemplan un grave accidente y emprenden una avariciosa carrera para conseguir un cuantioso botín que se haya escondido bajo una gran W.
“El mundo está loco, loco, loco” comienza entonces una carrera alocada en la que pasa revista a todo la tradición cómica del cine norteamericano, pero poniendo el acento en el aspecto meramente visual (en ocasiones parece una película de dibujos animados) y donde el slapstick, tan presente en el cine mudo, alcanza aquí cimas soberbias hasta la traca final, donde las carcajadas acompañan esos cinco minutos finales llenos de una sabiduría cómica inigualable.
La habilidad de Kramer está en ofrecer dos horas maravillosas de pura e inteligente diversión. Pese a ser una película coral, los personajes están dibujados al milímetro en toda la evolución que padecen tras sacar a pasear a la avaricia. Está virtud no sólo la consigue con los protagonista, sino también con aquellos de paso más fugaz. Destacar una actuación es difícil. De los muchos méritos que tiene esta película es haber conseguido un reparto tan magistral y ajustado para cada uno de los personajes. Sin embargo, yo destacaría a Ethel Merman, aquí realizando el papel de una suegra tan tiránica que no te sorprendería verla encima de los lomos de una escoba.
En resumen, una comedia frenética e hilarante, con una visión de la especie humana hasta cierto punto pesimista, pero que jamás volverá a ser mostrada con tanta gracia. Recientemente hicieron un remake (“Ratas a la carrera”) que viene a demostrar que la genialidad no está igual de repartida en Hollywood.

TÍTULO ORIGINAL	It's a Mad, Mad, Mad, Mad World
AÑO	1963
DIRECTOR	Stanley Kramer
GUIÓN	William Rose, Tania Rose
MÚSICA	Ernest Gold
FOTOGRAFÍA	Ernest Laszlo
REPARTO	Spencer Tracy, Mickey Rooney, Milton Berle, Sid Caesar, Buddy Hackett, Ethel Merman, Dick Shawn, Phil Silvers, Terry-Thomas, Jonathan Winters, Edie Adams, Dorothy Provine, Buster Keaton, Joe E. Brown, William Demarest, Andy Devine, Peter Falk, Edward Ever
PRODUCTORA	United Artists
PREMIOS	1963: Oscar: Mejores efectos de sonido. 6 nominaciones
SINOPSIS	Varios automovilistas conducen por un agreste paisaje del sur de California. De pronto, un coche les adelanta a gran velocidad y, al tomar una curva, se precipita por un barranco. Los automovilistas intentan ayudar al conductor del vehículo siniestrado, el cual, antes de morir, les confiesa que tiene escondido un botín de trescientos mil dólares en el parque de Santa Rosita.

Robin de los bosques

Una de las mejores películas de aventuras de todos los tiempos, y de largo la mejor adaptación cinematográfica sobre la vida del legendario héroe de las baladas inglesas de finales del siglo XIV y principios del XV, Robin Hood.

Sustituyendo a su "otro" director,William Keighley, Curtiz toma las riendas del proyecto con una maestría narrativa y un sentido del espectáculo realmente abrumador.

Cierto que las situaciones narradas rayan por momentos la más estúpida de las inverosimilitudes, que los soldados proscritos de los bosques reales de Sherwood afrontan las batallas con el ánimo del simpático borracho con ganas de juerga, o que los pintorescos y coloristas disfraces de los personajes de la cinta, sabiamente retratados y realzados por la cámara del prestigioso colaborador habitual de Curtiz, Sol Polito (increíble que ni siquiera recibiera una triste nominación por tan portentoso trabajo), produzcan una suerte de risa ridícula de aquel que contempla una danza de saltimbanquis...

Todo ello no es óbice empero, para considerar esta legendaria cinta como todo un ejercicio de virtuoso estilo cinematográfico, con un poderoso y vertiginoso ritmo narrativo (papiros desplegables incluídos), unas interpretaciones sublimes y un ambiente de aventuras realmente espectacular.

 En el mismo año que Curtiz también rodó "Ángeles con caras sucias", su noble "personaje" de Robin de Locksey robó nuestros corazones, más incluso que cuando leímos alguna vez las aventuras de este mito de la tradición británica, mitológico o real, extraídas de los escritos anónimos medievales y sus 30 baladas tituladas "The Gest of Robin Hood".

"...Sajones o Normandos, ¿qué más da? odio (odiamos) la injusticia...", aunque en este caso se dé la paradójica circunstancia que la justicia esté encarnada por otro régimen eternamente anacrónico e injusto por naturaleza como el gobierno monárquico...

Will Scarlett, el fraile Tuck, Little John y Robin Hood fueron y serán un ejemplo del camino a seguir... con permiso de Michael Curtiz en las lides cinematográficas y la maravillosa partitura de Erich Wolfang Korngold (ganadora del oscar aquel año) aún retumbando en nuestros oídos.

En el año 1191 el rey de Inglaterra, Ricardo Corazón de León (el mismo que inspirara también el trasunto de la novela de Walter Scott "Ivanhoe") marcha a tierra santa a luchar contra los infieles en la 3ª cruzada, delegando su reino en la persona de su noble amigo Longchamps para irritación y resentimiento de su pérfido hermano Juan, aquel a quien la historia apodó Juan Sin Tierra...

 

Durante su ausencia su resentido hermano Juan pergeña un plan para usurpar el poder, aprovechando además la circunstancia de que Leopoldo De Austria había apresado al legítimo monarca de Inglaterra... Para ello se vale de la inestimable colaboración de los barones normandos asentados en el condado de Nottingham encabezados por el noble sir Guy de Gisbourne(Basil Rathbone), el torpe alcalde del condado (interpretado por Melville Cooper)...además del obisbo de Black Canon (Montagu Love)...

Pero un caballero noble y sajón llamado Robin de Locksey (Errol Flynn) con su cuadrilla de sajones de los alrededores, se atrincherarán en los bosques de Sherwood formando una liviana guerra de guerrilas contra los ilegítimos y pérfidos usurpadores en su noble causa en favor de los pobres oprimidos por Juan y de la reatauración del poder legítimo...

Juan y Guy convocan un concurso de arqueros para atrapar a Robin, quien se ha enamorado además de una pupila real del ausente Ricardo, la noble normanda Lady Marian (O. De Havilland), asistida en todo momento por su institutriz Bess (Una O´connor) pretendida también por un proscrito sajón de la banda de Robin, Much "El Molinero"(Herbert Mundin)...

Finalmente el propio Ricardo se unirá a Robin para restaurar el orden normal nombrando barón de Sherwood.

 

TÍTULO ORIGINAL	The Adventures of Robin Hood
AÑO	1938
DIRECTOR	Michael Curtiz, William Keighley
GUIÓN	Norman Reilly Raine & Seton I. Miller
MÚSICA	Erich Wolfgang Korngold
FOTOGRAFÍA	Tony Gaudio & Sol Polito
REPARTO	Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains, Patric Knowles, Eugene Cooper, Alan Hale, Melville Cooper, Ian Hunter, Una O'Connor
PRODUCTORA	Warner Bros. Pictures. Productor: Hal B. Wallis
PREMIOS	1938: 3 Oscars: Mejor banda sonora, montaje, dirección artística. 4 nominaciones
SINOPSIS	Robin de Locksey regresa a Inglaterra tras combatir contra los infieles en las Cruzadas, pero Juan sin Tierra, el hermano del Rey Ricardo I, ha usurpado el trono y gobierna como un tirano, por lo que el noble sajón decide refugiarse en el bosque de Sherwood y luchar contra él para devolverle la corona a Ricardo. (FILMAFFINITY)
CRÍTICAS	---------------------------------------- "Un título mítico del cine de aventuras, lleno de espectacularidad. Curtiz supo darle a la historia un ritmo sin igual y unas dosis de humor realmente divertidas que la elevan muy por encima de las diversas versiones de este clásico"

 

 

Grease

¿Quién no quiso ser Danny Zuko? ¿O quien no suspiró noches enteras por ser el Pigmalion que transformara a esa novia mojigata que todos teníamos en una rocker como Olvia Newton-John? Yo sí. Es cierto que no vivía en Rydell; pero en muchas ocasiones, igual que Rebeca vuelve a Manderley, yo vuelvo a esas noches de verano en Rydell.

 “Grease” es un musical delicioso y divertido hasta la médula. Los años 50, desde la visión irónica de este homenaje Kleiser, quedaran en nuestras retinas abrazados a este musical despreocupado y joven. Una historia tan simple como la o con un canuto, pero tremendamente emocionante porque en su superficialidad llena de tópicos, batidos, hamburguesas, poses y bailes de instituto... pasa justamente lo que deseemos que ocurra. Todo esto aderezado con una banda sonora extraordinaria (que todos nos sabemos de memoria); seguramente una de las mejores de toda la historia del cine musical y que se expone ante nuestro ojos en unos números musicales excelentes e inolvidables, llenos de una energía joven, en que el que la rabia (presente por ejemplo en otro musical “joven” como West Side Story) está descartada porque la juventud es ese tiempo que hay que disfrutar.

 La química entre los actores es extraordinaria. Travolta y Newton-John son esa pareja perfecta a la que nos gustaría imitar; el resto del reparto esta preso por la misma alegría (aparece una Stockard Channing tan devoradora de la pantalla como febril con los hombres) que desprende cada fotograma de esta película inolvidable (es una de esas películas que sientes que se lo han pasado genial rodándola) y maravillosa.

“Grease” es la película generacional, a la que se van sumando nuevos adictos (quien la prueba, repite) para quedarse entre nosotros y volver a ella siempre que deseemos pasarlo bien.

El éxito de esta película propició una segunda parte infumable de la que sólo se puede salvar a una jovencísima Michelle Pfeiffer, o ¿quién no ha soñado salvar todas las noches a Michelle Pfeiffer?

 Grease es de esas películas que, sin llegar a ser una obra maestra, nos embarga de alegría cada vez que la vemos. Y no es una obra maestra porque no fue ese su fin primigenio, es decir, la finalidad del film no va más allá de entretener de forma ligera, pero no chabacana, divertida pero no grotesca, irónica pero no vulgar. El resultado de todo esto es un musical delicioso, con ritmo y momentos de sonrisa contenida, en el que todavía los chicos malos no portaban armas de fuego ni trapicheaban con estupefacientes y cuyas maldades más reprochables se reducían a las carreras de coches clandestinas y los amores prohibidos; qué tiempos aquellos...Por cierto, Olivia, preciosa 

Hablar de “Grease” son palabras mayores. Que es uno de los diez mejores musicales de la historia del cine es indudable. Y lo es porque tiene seguidores entre las abuelas, entre los padres y entre los hijos. Y eso con la música, tan pegada a un momento dado, es dificilísimo.

“Grease” tiene algo de atemporal, de clásico desde el primer momento de su estreno. Recuerdo que de niño ya me pareció como antigua y a la vez moderna. Esa mezcla es muy extraña y a la vez mágica, porque siendo una película de finales de los setenta, que es una época muy endogámica, muy de mirarse el ombligo, sin embargo la acción transcurre en los cincuenta, y combina musicalmente temas históricos míticos muy buenos con otros más discos creados ex profeso para el film.

Luego es muy complicado que todos los planetas se alineasen como pasó aquí y que saliese un producto redondo. Porque jugaron con fuego. Por ejemplo, Olivia Newton-John que no deja de ser una cantante, aquí parece hasta una actriz, un director del todo mediocre como Randal Kleiser, sin apenas experiencia, hace su mejor trabajo de largo y ya quisieran muchos poner la cámara con la facilidad que la pone aquí, parece ser que luego se le olvidó. Incluso hasta John Travolta fue arriesgado, porque venía del éxito de “Fiebre del sábado noche” y cualquier comparación con Tony Manero iba a ser complicada. Y sinceramente Danny Zuco le gana por goleada.

Hay otros muchos musicales que están muy bien desde luego, pero creo que el verdadero éxito “Grease” como icono popular del género, a parte de una banda sonora genial, está en su contexto. Que otros transcurran en épocas medievales, o en el Oeste, o en el Chicago de los años 30 o con unos hermanos leñadores con malas pulgas o hasta en Broadway, aún siendo buenos nos resultan más lejanos, en cambio aquí ese instituto nos retrotrae a una época que todos hemos vivido y que pasando mejores o peores momentos, lo que es seguro es que permanecerá imborrable en nuestra memoria. Ahí “Grease” nos conquista el corazón.

Los años le están sentando bien a esta película, es verdad que hubo un tiempo que estaba mal visto que te gustase, sobre todo víctima de las modas juveniles que siempre intentan desprestigiar lo anterior, cuando no se dan cuenta que son su continuación y nacieron de su vientre. Eso ya pasó afortunadamente y aunque quede un sector minoritario con prejuicios, se puede decir que 30 años después, tenemos a este musical para rato. Y de lo que me alegro.

We go together
Like rama lama lama ka dinga da dinga dong

REPARTO	John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway, Didi Conn, Lorenzo Lamas, Dinah Manoff, Barry Pearl, Michael Tucci
PRODUCTORA	Paramount Pictures
PREMIOS	1978: Nominada al Oscar: Mejor canción
SINOPSIS	Verano de 1959. Sandy (Olivia Newton John) y Danny (John Travolta) han pasado un romántico y maravilloso verano juntos, pero, cuando las vacaciones se acaban, sus caminos se separan. Inesperadamente, vuelven a verse en el instituto Rydell, pero la actitud de Danny ya no es la misma: ya no es el chico encantador y atento que encandiló a Sandy; ahora es engreído e insensible.

 

TÍTULO ORIGINAL	Grease
AÑO	1978
DIRECTOR	Randal Kleiser
GUIÓN	Bronte Woodard & Allan Carr (Musical: Jim Jacobs & Warren Casey)
MÚSICA	Barry Gibb
FOTOGRAFÍA	Bill Butler