Carlos Baute - De Mi Puño e Letra - Te Regalo

¿Quién teme a Virginia Wolf?

GIFSoup Who's Afraid of Virginia Woolf? es una película estadounidense de 1966, dirigida por Mike Nichols, basada en la obra teatral del mismo título de Edward Albee. Ganó cinco Oscar y fue nominada a otros ocho. Richard Burton y Elizabeth Taylor actuaron los roles principales, George Segal y Sandy Dennis en los roles secundarios. De gran éxito de público en el momento de su estreno, lanzó a la fama a un joven realizador.

En ella, George (Richard Burton) y Martha (Elizabeth Taylor) son un matrimonio que se odia a muerte. Ambos conocen perfectamente los puntos débiles del otro. George es un profesor universitario alcohólico y Martha es una mujer frustrada y dominante, con muy mal carácter. Una tarde invitan a un profesor recién llegado a la Universidad, Nick (George Segal) y a su esposa, Honey (Sandy Dennis) a tomar una copa, iniciándose un juego cruel.

La película fue la única nominada para los Premios Óscar en cada categoría en la que podía ser elegible (película, actor, actriz, actor de reparto, actriz de reparto, director, guión, dirección artística/decoración del set (blanco y negro), cinematografía (blanco y negro), sonido, diseño de vestuarios (blanco y negro), música y montaje). Cada uno de los cuatro actores fue nominado para un Oscar, pero sólo Elizabeth Taylor (Oscar a la mejor actriz) y Sandy Dennis (Oscar a la mejor actriz de reparto), lo ganaron. La película también ganó el premio de Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro por el gran trabajo de cámara de Haskell Wexler (fue la última película en ganar en dicha categoría antes de que fuera eliminada). También recibió: El Oscar a la mejor dirección de arte B/N El Oscar al mejor diseño de vestuario B/N Y fue nominada en las categorías: Al mejor actor - al mejor actor de reparto - al mejor director - al mejor montaje - a la mejor película - a la mejor banda sonora - a la mejor canción original - al mejor sonido - al mejor guión adaptado. Recibió además: El Premio BAFTA a la mejor película (Mike Nichols), y los premios ya eliminados, al mejor actor británico (Richard Burton), a la mejor actriz británica (Elizabeth Taylor). El Premio New York Film Critics Circle Awards (Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York) a la mejor actriz (Elizabeth Taylor).

Sin lugar a dudas, un gran duelo interpretativo entre Richard Burton y Elizabeth Taylor, por aquel entonces casados, bien secundado por la otra pareja protagonista del film, George Segal y Sandy Dennis. Célebre por contener una de las mejores interpretaciones, si no la mejor, de Taylor y por una puesta en escena brillante que, sin deshacerse de su origen teatral, logra tener entidad propia como largometraje.

Elizabeth y Rock (Gigantes)

GIFSoup Gigante (Giant) 1956

Cuando Leslie (Elizabeth Taylor) levanta la cortinilla del tren, sus bellos ojos, acostumbrados a llanuras verdes, a cacerías y otra forma de vida, recibe el resplandor cambiante para toda su vida actual de recién casada. Ahora no están los rosales de su finca, ni el porche de su lujosa casa, lo que tenia delante era una tierra árida, los enormes rastrojos movidos velozmente por el viento, el desconocimiento de un paisaje totalmente nuevo, y mirando a su esposo dice: ¿Esto es Texas?- pregunta ella - Y Jordan contesta: Esto es Benedict, nena. Era la mujer de Jordan Benedict, (Rock Hudson) , propietario de la mayor extensión de tierra que sus ojos pudieran abarca. Iban hacia Reata y esa diferencia la tendría clavada para siempre, siguiéndole durante muchos años, prácticamente hasta el fin de sus días, siendo el fondo donde iba a vivir la mas compleja, hermosa, intensa y gratificante vida al lado del hombre que amaba. La única diferencia estaba en que ahora el vagón del tren quedaba parado en aquel infernal apeadero y el polvo y el viento no cesaban, algo a lo que debería ir acostumbrándose. Cuando la novela de Edna Ferber pasaba de mano en mano por diferentes productores de Hollywood, se presentía que la historia de Lo que el viento se llevó iba a repetirse de iguales características. Salvo que esta vez la historia sureña se pasaba a un condado de Texas y sus protagonistas eran tres personajes dispares, unidos por el amor, pero de perfiles opuestos. Y en la inmortal obra de Margarett Michell la protagonista absoluta era Escarlata O,hara. La Warner obtuvo al final los derechos sobre la novela y puso en marcha un proyecto ambicioso, con presupuesto millonario para el año 1955. Se iban barajando los mas grandes actores del momento como: Gregory Peck, Montgomery Clift, Charlton Heston, Ava Gadner, etc. etc.. Edna Ferber lo tenia muy claro desde el primer momento y su voluminoso manuscrito sobre la familia Benedict y Reata lo veía claramente plasmado en su mente con los rostros, los nombres y todo el enorme elenco de actores de carácter que abarca esta epopeya sobre las tierras petrolíferas en Texas. Se comenta en la leyenda que rodea este film que sus sugerencias fueron cruciales a la hora de la firma de los contratos, desde el primer al ultimo actor. Consta en los archivos de la Warner y así debe relatarse. La Sra. Ferber propuso a Elizabeth Taylor para encarnar a Leslie Benedict, a Rock Hudson para Jordan Benedict y el entonces apenas conocido James Dean para ese gran papel de Jett Rink. Dicen que había soñado una noche escenas de sus capítulos interpretadas por ellos mismos, y también se cuenta en la leyenda de Gigante que ella misma quiso interpretar a Luz Benedict, circunstancia que desechó al ver las pruebas que le hicieron a Mercedes MacCambridge, actriz que consiguió por este papel el oscar a la mejor actriz secundaria en el año 1956. El film tuvo 10 nominaciones: Dos al mejor actor: James Dean y Rock Hudson, a la mejor película, a la dirección, a la adaptación. En fin, realmente estamos hablando de un gran film, una de esas historias que todos hubiéramos querido escribir, y por supuesto dirigir. Trabajo que llevo a cabo con notable maestría el director George Stevens, consiguiendo el oscar a la mejor dirección. Por otra parte premio bastante merecido por su magnifica dirección de actores secundarios: Mercedes McCambridge, Carroll Baker, Sal Mineo, Dennis Hopper, Earl Holliman, Chill Wills, y por haber conseguido que sus tres protagonistas merecieran ser considerados creíbles, y magníficos. La emblemática puesta en escena en una primavera-verano de 1955 en tierras sofocantes y a temperaturas altas, consiguiendo hacer mas viva la saga de una familia tejana, en el marco de una tétrica mansión, de aspecto frío, a la que poco a poco fué transformando en un lugar lleno de pasiones, vida y poder, dándole un hermoso colorido a una obra muy compleja, personal y sórdida, salida de las manos de una escritora que conocía bastante bien el clima y la ambición de unos seres, con débiles pinceladas de racismo. Stevens consiguió, bajo mi parecer una obra redonda, interesante y que bordea en muchas ocasiones carácter de obra maestra. Las curiosidades que rodean a Gigante son muy variadas: Desde las exigencias de su director hacia sus protagonistas, hasta las relaciones entre Rock Hudson-James Dean, que no eran esencialmente cordiales, pasando por sus repetidas tomas, una tras otra, bajo un calor a mas de 42 grados de temperatura. Fueron cinco meses laboriosos, tórridos y eternamente largos, según declaraciones de la misma Elizabeth Taylor, años mas tarde en entrevistas concedidas a varios medios de difusión. Ahí comenzó una larga amistad con Rock Hudson, amistad que duró y fué fomentándose mas tarde con el rodaje de El espejo roto, basado en una obra de Agatha Cristie, hasta la trágica muerte del actor, victima del sida. Causa que desde entonces la actriz ha llevado a cabo, invirtiendo no solo dinero, sino parte de su tiempo en conferencias, campañas y en fundaciones para el estudio de esa cruel enfermedad. También se la relacionó con James Dean, pero en este caso era totalmente diferente. James era un hombre difícil, nada accesible, y con una vida interior compleja, motivo por el cual vertió en Liz todas sus obsesiones, sus miedos y sobre todo aquellas confesiones que en los descansos del rodaje compartieron. Carroll Baker, que en el film es Luz Benedict II, era en aquella época una principiante que mas tarde conseguiría un enorme éxito con el film de Elia Kazan "Baby Doll" y un film nada despreciable que se rodó sobre la vida de Jean Harlow, titulado "Harlow". Curiosidades del cine me hacen ver el paralelo entre Carroll Baker y Marilyn Monroe. A ésta última la ofrecieron en principio interpretar "baby Doll", papel por el que sentía un enorme interés y por no se sabe que causas, acabo haciéndolo Carroll. En cambio "Harlow", era un proyecto que la propia productora fundada por Marilyn tenia en mente, debido al interés de la actriz por encarnar a la famosa y trágicamente fallecida rubia platino. Film que se rodó diez años mas tarde del asesinato de Marilyn, por la mismísima Carroll Baker, con escaso éxito, y que a mi personalmente me parece una película nada despreciable. Carroll es ahora una extraordinaria actriz de carácter, pero hubiera sido una figura de enorme proyección, porque tenia todas las cualidades para ello....Brilló durante algunos años y su luz como se fué apagándo muy lentamente.... "Cosas del cine".

DIRECTOR George Stevens GUIÓN Ivan Moffat & Fred Guiol (Novela: Edna Ferber) MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA William Mellor REPARTO Elizabeth Taylor, James Dean, Rock Hudson, Carroll Baker, Jane Withers, Chill Wills, Mercedes McCambridge, Sal Mineo, Dennis Hopper, Judith Evelyn, Paul Fix, Rod Taylor, Earl Holliman, Robert Nichols PRODUCTORA Warner Bros. Pictures PREMIOS 1956: Oscar: Mejor director. 10 nominaciones GÉNERO Drama. Romance Cine épico. Melodrama. SINOPSIS Jordan "Bick" Benedict (Rock Hudson), un joven terrateniente, llega a su inmenso rancho de Texas con su reciente esposa Leslie Benedict (Elizabeth Taylor), una rica y bella muchacha de Maryland. Pero poco después ambos descubren el abismo que les separa. Además Leslie conoce a Jett Rink (James Dean), un arrogante y joven granjero que tiene la suerte de descubrir petróleo en sus tierras. Desde su posición de millonario, Jett se enfrenta a Bick, el marido de la mujer a la que ama.

La gata

GIFSoup Cat on a Hot Tin Roof (1958)

La tremenda obra teatral de Tennessee Williams en la que está basada la película, tuvo en su día las protestas de los críticos por la adaptación hecha por el director Richard Brooks y por James Poe, al ser pasada al cine. Un periodista de LIFE dijo: "Este es un caso palpable, no ya de traición, sino de simple eyaculación precoz, ante el orgasmo imaginario, y de como debe castrarse una magnifica obra teatral para ser llevada al cine". Es difícil para mí hablar de este film después de tanto como se ha escrito sobre él, y mas, mucho mas sin un conocimiento de causa, pero vale la pena hacer una referencia al principal motivo de queja de los críticos, porque realmente yo estoy con ellos en total acuerdo. Estos periodistas y críticos alegaron que la obra teatral deja perfectamente claro el origen de los conflictos de Brick (PAUL NEWMAN), tienen características de homosexualidad latente, así lo quiso escribir Williams, así lo dejo palpable y de hecho hoy en día cuando se representa en los muchos teatros del mundo, la tendencia de Brick está en la mesa, no para enjuiciarla, sino para sentar la principal base de esta brillante otra teatral y cinematográfica. Lo injusto es que fuera tan cruelmente censurado por unos puritanos Estudios y participaran en esa masacre los propios guionistas del film, pero poderosa influencia la del dinero, y años difíciles en EEUU...... Hoy sería totalmente diferente. Cuando LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC comienza, Maggie (ELIZABETH TAYLOR) dice que se siente como una gata sobre un tejado de zinc caliente: esperando que su marido, antiguo jugador de fútbol americano, abra alguna vez el caparazón de oscuro resentimiento en que está encerrado....... Pero él solo pide ayuda a una botella de whiksy siempre en su mano, emprendiendo así su gran evasión, su huida de todo: del trabajo, de los problemas reales, de sí mismo, y hasta de los brazos de su mujer. Es verano, y la gata no lo soporta más, Maggie se vuelve felina, tierna, astuta, apasionada, hiriente, entre el vaho tórrido del verano en Mississipi, y un esposo que no deja de sentirse responsable de la destrucción de un ídolo, del querido amigo de la universidad, compañero de juegos, compañero de intimidades, razón de que florezca su dormida homosexualidad y cuya muerte achaca a su mujer y a sí mismo. En el film, el caso de ambos hombres está presentado como un caso de inmadurez, de pérdida del compañero con el cual había construido un mundo irreal de mutua admiración y devoción. En el teatro, realidad absoluta de la imaginación de un maestro Tennessee Williamss, por el que han pasado los mejores melodramas del siglo XX, y un enorme conocedor del alma femenina, entre sus trazos se mastica claramente la verdad de la relación entre los dos hombres, que no es otra que un profundo amor entre ambos, arañado por las afiladas uñas de una gata sobre un tejado caliente de zinc.... Tennessee nunca estuvo de acuerdo totalmente con el resultado final del film, por una parte siempre quiso para el papel femenino a Vivien Leigh y por otro el guión (según sus memorias), oculta el verdadero origen de la destrucción del personaje interpretado por Newman. El sexo no tiene por qué ocupar un lugar de privilegio entre las miserias humanas, es mas cruel el mal, la cobardía o el rencor. Siempre he pensado y ahora en mi madurez con mayor motivo, que respiramos aires de obstinación en muchos medios, artículos o novelas que gritar el escándalo de la carne, concediendole una jerarquía absoluta entre las manifestaciones turbias y malvadas de la condición humana....Lógicamente siempre me revelaré contra ello, porque el sexo es fundamento del sentimiento y mezclado con sinceridad y ternura, deja de ser miseria, para encontrarnos con la completa felicidad. Richard Brooks realizó un film esquemático, cuya sobriedad lo hace meritorio desde el punto de vista cinematográfico, valorándose como pieza única, sin necesidad de evadirse a nuevos escenarios para disimular el carácter teatral de la obra. Brooks logró darle un ritmo de cine a una acción que transcurre entre una sala y una alcoba y lógicamente, el diálogo ocupa un puesto central. Contó con los mejores: PAUL NEWMAN omite las contradicciones corporales del Actor's Studio y desempeña, bajo mi punto de vista, el mejor papel de su carrera. BURL IVES, se resigna a ser un patriarca rural, de difícil condición MADELEINE SHERWOOD, como esposa del hermano de Brick, está espléndida, con sus cinco hijos, esos pequeños monstruos sin nunca, verdaderamente repulsivos...... Todos espléndidos, magistrales, sincronizadas marionetas al ritmo del director, bajo la mirada felina, calurosa y caótica en una contenida interpretación de mi inolvidable CLEOPATRA, en uno de sus mejores papeles.

DIRECTOR Richard Brooks GUIÓN Richard Brooks, James Poe (Obra: Tennessee Williams) MÚSICA Charles Wolcott FOTOGRAFÍA William Daniels REPARTO Elizabeth Taylor, Paul Newman, Burl Ives, Jack Carson, Judith Anderson, Madeleine Sherwood, Larry Gates, Vaughn Taylor PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) PREMIOS 1958: 6 nominaciones al Oscar, incluyendo, película, director, actor (Newman), actriz (Taylor) GÉNERO Drama Melodrama.

SINOPSIS La inminente muerte del anciano patriarca de una acomodada familia del Sur desencadena terribles tensiones entre sus herederos. Uno de sus hijos, Brick, indeciso y apático, se refugia en el alcohol y se muestra completamente indiferente ante la situación, pero Maggie, su mujer, no está dispuesta a contemplar impasible su destrucción. El otro, Gooper, al igual que su esposa, es ambicioso y oportunista.

Liz

GIFSoup

Además de por su admirada belleza, Liz Taylor destacó entre las actrices de su época por ese halo de singularidad que la cubría y con el que enaltecía su natural esplendor.

Al convertirse en la actriz del momento -por no decir de la generación- Elizabeth Taylor compartió planos y protagonismo con los galanes más deseados de Hollywood, cuyas pasiones en la gran pantalla en ocasiones ocultaron alguna que otra homosexualidad encubierta.

Iconos clásicos como Rock Hudson, James Dean, Marlon Brando, Montgomery Clift o Roddy McDowall fueron algunos de sus compañeros más queridos -a veces, tanto dentro como fuera de la gran pantalla-.

Muchas de las películas en las que Elizabeth Taylor participó, tuvieron un acusado subtexto que podría ser interpretado por muchos homosexuales, al sentirse aludidos o identificados por las tramas. Sobre todo las que estuvieron inspiradas en las obras del dramaturgo Tenesse Williams.

‘La Gata sobre el tejado de zinc’, ‘De repente, el último verano’, ‘Reflejos en un ojo dorado’, ‘Gigante’ o ‘Quién teme a Virgiunia Woolf’ son espléndidos ejemplos.

Aunque como suele ser habitual, el resplandor de Hollywood normalmente oculta realidades personales bastante sórdidas; y, por desgracia, de ésto Liz Taylor también probó bastante.

VEN POR FANNY JEM WONG.mpg

Mucho más que una actriz

Liz fue mucho más que una actriz.

La conocimos desde niña, hecha una mujercita, y convertida en la gata sobre el tejado de zinc, y descubrimos parte de su agitada vida.

No queremos restar nada a su carrera como actriz, de gran valor por sí misma, ya que recibió dos premios Óscar: por Una mujer marcada (1960) y por ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), además de tres nominaciones más, todas ellas en la categoría de mejor actriz principal. Su primera nominación fue por la película El árbol de la vida en 1957 y estuvo nominada los siguientes tres años, hasta que en 1960 se lo concedieron. Alcanzó el récord de cuatro nominaciones en años consecutivos, como el actor Marlon Brando.

Fue una estrella calificada por los medios anglosajones como «bigger than life»: una estrella mayor que la vida misma. Es una recordada leyenda femenina del Hollywood clásico, gracias a su belleza muy fotogénica, a una larga lista de películas relevantes con notables actuaciones y a un turbulento historial sentimental.

Pero queremos destacar que supo explotar con maestría su turbador e innegable atractivo sexual y dio que hablar a través de sus romances polémicos. A raíz de su romance con Richard Burton (estando ambos casados con otras parejas) un periódico del Vaticano la acusó de «vagar erótico», frase que inundó los titulares de todo el mundo. Burton salió en su defensa, afirmando de ella que había tenido solamente cinco parejas, todas conocidas, mientras que otras divas de Hollywood se acostaban con cualquiera en la primera noche (si bien manteniéndolo en secreto). Otras fuentes allegadas a la actriz coinciden al describirla como bastante convencional en el amor: dicen que, si se casó ocho veces, fue porque no era proclive a aventuras fugaces y quería formalizar cada nueva relación con una boda.

Tan famosa por su carrera cinematográfica como por su vida sentimental, Liz Taylor ha sido objeto de la prensa rosa por sus constantes divorcios y matrimonios y por sus problemas de salud: consumo excesivo de alcohol, una lesión de columna que ha requerido diversas operaciones y un tumor cerebral. En sus últimos años acudía a actos públicos en silla de ruedas. Célebre también por sus labores humanitarias en la lucha contra el sida desde la muerte de su amigo Rock Hudson, colaboró con una sociedad dedicada a la lucha y la investigación de este grave síndrome.

Fue por este motivo galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992. Además ese mismo año participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, hablando acerca de la prevención necesaria para combatir el SIDA.

Estrellato

Las perspectivas de la carrera de Taylor mejoraron con sus trabajos en Un lugar en el sol (1951) con Montgomery Clift, Ivanhoe (1952) con Robert Taylor y Joan Fontaine, y especialmente cuando fue elegida para actuar, junto con James Dean y Rock Hudson, en la película Gigante (1956). Posteriormente fue nominada al Premio Óscar en la categoría de "Mejor actriz", por su trabajo en El árbol de la vida (1957), ambiciosa producción que intentó igualar el éxito de Lo que el viento se llevó. En el apogeo de su belleza, protagonizó junto a Paul Newman el drama romántico Cat on a Hot Tin Roof (La gata sobre el tejado de zinc, 1958), adaptación de la obra teatral homónima de Tenessee Williams. Recibió múltiples críticas positivas, su segunda nominación al premio Óscar por «Mejor actriz» y su primera candidatura al galardón BAFTA como «Mejor actriz británica». Durante las décadas de 1950 y 1960 se convirtió en una de las mayores estrellas del firmamento de Hollywood gracias a su presencia en los títulos citados y en otros como Suddenly, Last Summer (De repente el último verano, 1959) junto a Katharine Hepburn y Montgomery Clift (que le proporcionaría su primer Globo de oro y otra nominación al Óscar). Taylor y Clift mantuvieron una estrecha amistad hasta la muerte del actor en 1966. Con Una mujer marcada (1960), donde encarnaba a una prostituta de lujo, Elizabeth Taylor se llevaría su primer Óscar a la mejor actriz, tras sumar cuatro nominaciones en años consecutivos, un récord sólo igualado por Marlon Brando. A finales de la década de 1950 se acentuó su rivalidad con Marilyn Monroe, la otra gran estrella de los estudios 20th Century Fox, si bien se especializaron en diferentes tipos de personajes: Taylor optó por papeles atormentados, temperamentales y problemáticos, y Marilyn se hizo famosa como prototipo de sex symbol, mayormente en comedias. Su categoría de estrella quedó reforzada con la película más cara en la historia hasta entonces: Cleopatra (1963). Por esta película, Elizabeth Taylor fue la primera actriz que firmó un contrato por la suma (para entonces astronómica) de un millón de dólares. Sin embargo, varias peripecias la llevaron a superar este récord: los múltiples retrasos y contratiempos del rodaje, y un porcentaje de la taquilla contemplado en su contrato, motivaron que ella terminase cobrando su sueldo multiplicado por siete. Fue en el rodaje de esta película donde conoció a Richard Burton; iniciaron un romance estando ambos casados, lo que provocó un enorme escándalo. Elizabeth Taylor interpretando a Cleopatra en la película homónima estrenada en 1963. A partir de mediados de la década de 1960 su participación en el cine fue perdiendo pujanza, aunque aún tuvo ocasión de intervenir en varias películas de relieve, como La mujer indomable (dirigida por Franco Zeffirelli), Reflejos en un ojo dorado con Marlon Brando (bajo la dirección de John Huston) y ¿Quién teme a Virginia Woolf?, de la que se dice es su mejor interpretación, al lado de su marido Richard Burton. Por este trabajo, que en cierta manera reflejaba las desavenencias reales de sus protagonistas, Taylor recibió su segundo Óscar a la mejor actriz.

Niña prodigio

Su madre siempre quiso que fuera una estrella, así que desde muy pequeña la llevó a grabar anuncios, cameos en películas, etc. De ahí que Taylor siempre haya dicho que ella no quiso realizar una carrera como actriz, sino que ésta le fue impuesta. Tras participar en varias comedias de escasa calidad, se hizo famosa a la edad de 12 años con la película de tema hípico National Velvet (Fuego de juventud, 1944) con otras dos figuras emergentes: Mickey Rooney y Angela Lansbury. Era una estrella ya en la adolescencia; con 14 años rodó El coraje de Lassie, una de las varias películas sobre dicha perrita, y poco después obtuvo un papel destacado en la adaptación de la novela Mujercitas dirigida por Mervin LeRoy (1949). Su siguiente gran éxito sería El padre de la novia (1950), junto a Spencer Tracy y con dirección de Vincente Minnelli.

Elizabeth Taylor

Elizabeth Rosemond Taylor también conocida por su nombre abreviado: Liz Taylor , DBE (Hampstead, Londres, 27 de febrero de 1932 - Los Ángeles 23 de marzo de 2011[2] ) fue una actriz inglesa que desarrolló su carrera en Estados Unidos, principalmente con largometrajes para los grandes estudios de Hollywood, aunque trabajó también —de manera más ocasional— en teatro y televisión. Entre los múltiples premios que ganó por su desempeño actoral se hallan: dos Premios Óscar, el Globo de Oro, el BAFTA y el David de Donatello. Gracias a una condecoración de la reina Isabel II de Inglaterra (Dama Comandante del Imperio Británico) recibía el tratamiento de Dame, equivalente del masculino Sir. En su madurez se volcó en el activismo a favor de causas humanitarias, especialmente la lucha contra el sida. Reconocida por su espectacular y deslumbrante belleza, con ojos de un rarísimo color violeta, y por su actuación en películas como Cleopatra o ¿Quién teme a Virginia Woolf?, desde la década de 1950 se erigió como uno de los mitos del Séptimo Arte. Fue también sumamente popular por su tormentosa vida privada y su pasión por las joyas. En 1999 el American Film Institute la nombró como la séptima mejor estrella femenina de los primeros cien años del cine norteamericano.

Giant (1956) - Theatrical Trailer - © Warner Bros.

Elizabeth Taylor - Suddenly, Last Summer - by Richard Bassett

Elizabeth Taylor - Reflections in a Golden Eye - by Richard Bassett

Elizabeth Taylor - Cat on a Hot Tin Roof - by Richard Bassett

Cat On A Hot Tin Roof

Who's Afraid of Virginia Woolf?- making conversation

Who's Afraid of Virginia Woolf? - intro with the guests

Entrevista a Núria Espert, actriz española de teatro, cine y televisión ...

12/3 REBECA

11/3 REBECA

10/3 REBECA

8/3 REBECA

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AMADO MIO - RITA HAYWORTH (Biografía)

"Put The Blame On Mame"

Gilda

Gilda (1946).

Fue dirigida por Charles Vidor y rotagonizada por Rita Hayworth y Glenn Ford en los papeles principales. De su banda sonora destacan las canciones Amado mío y Put the Blame on Mame de Anita Ellis.

En ella, el jugador de poca monta Johnny Farrell (Glenn Ford) llega a Buenos Aires, Argentina. Ballin Mundson (George Macready), el propietario de un casino y hombre indeseable, lo salva de un pistolero, y lo convierte en su mano derecha en el negocio que regenta. Sin embargo, la relación entre ambos hombres, que se basa en una mutua desconfianza y falta de escrúpulos, se resiente definitivamente cuando Mundson regresa de una ausencia, acompañado de Gilda (Rita Hayworth), a quien ha conocido en el viaje y con la que se ha casado. Farrell había tenido años atrás una relación con esta mujer, extremadamente sensual y atractiva, pero acabó odiándola. La nueva relación entre Farrell y Gilda está llena de emociones y reticencias, de sentimientos y de reproches, y se torna más extraña cuando súbitamente Mundson desaparece.

Un guante, una canción y el bofetón propinado por el gran Glenn Ford hicieron el resto. Más allá de su valor estrictamente artístico, este drama pasional se convirtió en un icono de la historia del cine. La década de los cuarenta alumbró películas mucho mejores, pero el simbolismo y estética de "Gilda" la convirtieron, todavía hoy, en una obra imprescindible.

Rita Hayworth se desprende de su guante en Gilda sin llegar a culminar el streaptease y sin dejar de mover sus sensuales caderas... Un momentazo mítico para la historia del séptimo arte... sin necesidad de escenas explícitas.

Cabaret

TÍTULO ORIGINAL
Cabaret

AÑO
1972

DURACIÓN
123 min.

Trailers/Vídeos

PAÍS
EStados Unidos

DIRECTOR
Bob Fosse

GUIÓN
Jay Presson Allen & Hugh Wheeler

MÚSICA
John Kander

FOTOGRAFÍA
Geoffrey Unsworth

REPARTO
Liza Minnelli, Michael York, Helmut Griem, Marisa Berenson, Fritz Wepper, Joel Grey

PRODUCTORA
Allied Artists / ABC Pictures

PREMIOS
1972: 8 Oscars: incluyendo director, actriz (Liza Minelli), actor sec. (Grey). 10 nominaciones1972: BAFTA: Mejor película1972: Globo de Oro: Mejor película: Comedia o Musical

GÉNERO
Musical. Drama Años 30

Uno de los mejores musicales de la historia, que extrae su fuerza de una dirección vibrante, unos diálogos con chispa, un mensaje previsible pero bien enmarcado en la historia, y unos estupendos intérpretes. Además, claro, de unos números musicales sencillamente soberbios, a los acordes de una banda sonora inolvidable. El magnífico Joel Grey les invita a pasar con el mítico “Willkommen, Bienvenue, Welcome...".

Adiós a Berlín

Cabaret es una película estadounidense del género musical de 1972 dirigida por Bob Fosse y protagonizada, entre otros, por Liza Minnelli, Michael York y Joel Grey.

Está basada en la novela Adiós a Berlín de Christopher Isherwood

Fue ganadora de numerosos premios cinematográficos y preservada en el archivo de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

Argumento

Berlín, inicios de la década de los 30.
La historia de amor entre la bailarina del local nocturno Kit Kat Club Sally Bowles (Liza Minnelli) y Bryan Roberts (Michael York), un estudiante de doctorado de la Universidad de Cambridge tiene, como marco de fondo, el auge de los nazis y de su partido político representativo (NSDAP).

La película es una crítica a la sociedad de la época con bastantes guiños hacia los tópicos de esta.

Personajes

Sally Bowles (Liza Minnelli): la protagonista femenina de la historia es bailarina del club nocturno Kit Kat Club.

Bryan Roberts (Michael York): el protagonista masculino de la historia es un tímido estudiante de la Universidad de Cambridge que viaja a Berlín con tal de doctorarse en literatura.

El maestro de ceremonias (Joel Grey): dirige el Kit Kat Club y a través de los espectáculos que presenta se ironiza sobre la situación de la ciudad en los años 30.

Fritz Wendel (Fritz Wepper): cazafortunas al que Bryan da clases de inglés.

Natalia Landauer (Marisa Berenson): rica heredera judía de la que Fritz se enamora.

Maximiliam (Helmut Griem): aristócrata bisexual que tiene encuentros con Sally y Bryan.

Señorita Schneider (Elisabeth Newman): masajista de señoras que vive en la pensión que se aloja Bryan.

Señorita Kost (Helen Vita): prostituta mayor que se aloja en la misma pensión que Bryan.

Herr Ludwig (Ralph Walter): escritor de historias pornográficas que se aloja en la misma pensión que Bryan.

Betty Boop

Betty Boop es un personaje de dibujos animados que apareció en la serie Talkartoon producida por Max Fleischer y lanzada por Paramount Pictures. Por su abierta sexualidad, Betty Boop tuvo mucho éxito en el cine.

El primer dibujo animado de una chica flapper. Hizo su primera aparición el 3 de agosto de 1930, en el dibujo animado Dizzy Dishes, en la sexta entrega de las Fleischer's Talkartoon series. Grim Natwick, un animador veterano de los estudios de Walt Disney y Ub Iwerks, fue principalmente el responsable de crear el personaje animado, modelado en base a la figura de Helen Kane, cantante y actriz estadounidense contratada por Paramount Pictures, el estudio que distribuía los dibujos animados de Max Fleischer. Siguiendo la práctica común, Grim Natwick hizo un nuevo personaje animal, en este caso, su nuevo personaje animado era un perro caniche francés. Empezando con este dibujo animado, la voz del personaje fue representada por varias actrices de voces diferentes hasta que Mae Questel consiguiera el papel, en 1931, y lo mantuvo por el resto de la serie.

El propio Natwick reconoció después que el aspecto original de Betty Boop era bastante feo. El animador la rediseñó en 1932 para ser reconociblemente humana en el dibujo animado Any Rags. Sus orejas de perro caniche de lanas blandas se volvieron pendientes en forma de aro, y su negra nariz de poodle se convirtió en una femenina nariz en forma de boton. Aparecía en diez dibujos animados como un personajes de apoyo, una chica flapper con más corazón que inteligencia. En sus dibujos animados propios se llamó "Nancy Lee" y "Nan McGrew". Normalmente sirvió como la estrella de estudio, "novia" del personaje de Bimbo. No se bautizó oficialmente hasta el corto de 1932 Stopping the Show. Éste también fue el primer dibujo animado en ser oficialmente parte de la serie de Betty Boop y no un Talkartoon.
Aunque algunos afirman que el primer nombre de Betty se estableció en 1931, en el dibujo animado Screen Songs donde se llamó Betty Co-ed y tenía un cáracter completamente diferente. Aunque la propia canción puede haber llevado al bautizo final de Betty, cualquier referencia con Betty Co-ed ha sido un error (El sitio web oficial de Betty Boop describe el personaje mencionado como un prototipo de Betty). En total, había doce dibujos animados de Screen Songs que ofrecieron a Betty Boop o por lo menos un personaje similar.

Betty como símbolo-sexual

Betty Boop en Betty Boop's Bamboo Isle (1932).
El desarrollo de Betty todavía estaba incompleto, sin embargo. El hermano de Max Fleischer, Dave, alteró el personaje aún más, haciéndola más sensual y más femenina. La famosa personalidad de Betty entró finalmente en el corto de 1932, Minnie the Moocher, donde Cab Calloway y su orquesta prestaron sus talentos. En la película, Betty corre sola fuera de sus padres arriesgándose a perderse con Bimbo en una cueva por una morsa (Rotoscopio de Calloway). El número musical asustadizo del Fantasma impide a Betty huir hacia la seguridad de casa. El retrato de los padres de Betty parece ser aparentemente judíos ortodoxos ha llevado a muchos asumir que Betty pensó y actuó públicamente como personaje judío. Sin embargo en los episodios de más tarde, como en 1936, en el corto "Be Human", es introducida retratando el cronómetro del tiempo, en el estilo de las películas del Viejo Oeste. En agosto de 1932, la serie de Talkartoon se renombró oficialmente como Betty Boop cartoons.

Betty Boop es famosa por ser el primer personaje de dibujos animados que representa completamente una mujer sexual. Otros personajes femeninos del mismo periodo mostraron su ropa íntima regularmente, como Minnie Mouse, pero no tenían forma completa de mujer. Betty Boop, sin embargo, reveló su sexualidad. Llevaba vestido corto y liguero. Tenía pecho prominente y enseñaba el escote. En sus caricaturas, otros personajes intentaban espiarla mientras se cambiaba. En Betty Boop's Bamboo Isle, baila el hula llevando únicamente un lei (collar de flores) y una falda hawaiana. Atuendo que repitió en el cameo que hizo en el primer episodio de Popeye.

Sin embargo, los animadores se aseguraron de mantener el personaje "puro" (oficialmente ella tenía sólo 16 años). Como en el filme Boop Boop a Doop, cuando le dice a Koko el payaso, después de ser amenazada por el malo: "¡No pudo quitarme mi Boop Boop a Doop!"

Las sensibilidades adultas de Betty la hicieron triunfar y una ola de merchandising recorrió el mundo. Mientras tanto, Helen Kane, quien inspiró el personaje en 1930, demandó al estudio Fleischer en 1934 alegando que le habían copiado la apariencia, la forma de bailar y cantar y el eslogan. Kane perdió el juicio (y su Boop Boop a Doop) cuando Fleischer probó que la frase ya había sido usada antes de Kane.

Star Wars

Star Wars, también conocida en español como La guerra de las galaxias, aunque literalmente significa «Guerras estelares», es una franquicia de medios estadounidense que pertenece al género de la opereta espacial épica y que ha sido concebida por el guionista, director y productor de cine George Lucas.
La primera película de la franquicia, Star Wars: Episode IV - A New Hope, contó con actores como Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew y David Prowse, y aunque tuvo numerosas dificultades durante la producción, finalmente fue distribuida por 20th Century Fox y estrenada el 25 de mayo de 1977. Se convirtió en un fenómeno de la cultura popular a nivel mundial y su influencia ha sido reconocida por numerosos cineastas. El éxito de la película dio alas a Lucas para financiar personalmente las dos secuelas que completaron la llamada «trilogía original», Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back y Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, a las que se incorporaron nuevos actores como Billy Dee Williams, Frank Oz e Ian McDiarmid, y que fueron estrenadas en intervalos de tres años.
Dieciséis años después llegó a los cines Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, la primera cinta de una nueva trilogía centrada en los años previos a la anterior. Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Hayden Christensen, Samuel L. Jackson y Christopher Lee fueron algunos de los principales miembros del reparto, que también contó con la presencia de algunos actores de la trilogía original. Star Wars: Episode II - Attack of the Clones y Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, estrenadas nuevamente en intervalos de tres años, completaron una saga que recaudó aproximadamente 5,51 mil millones de dólares estadounidenses entre las seis películas, convirtiéndola en la tercera más exitosa de todos los tiempos[4] por detrás de las franquicias de James Bond y Harry Potter, sin considerar la inflación.[5]
La saga cinematográfica de Star Wars ha derivado en otros medios, tales como libros, series de televisión, videojuegos, historietas o juegos de rol. Dichos suplementos conforman el denominado «Universo expandido», a partir del cual se ha desarrollado de forma significativa el material ficticio de la saga. Además, esta colección de medios ha profundizado en cuestiones apenas incorporadas en las películas originales, extendiendo por otra parte las tramas presentadas en cada trilogía. En 2008 se estrenó Star Wars: The Clone Wars, convirtiéndose en la primera cinta de la franquicia en lanzarse a nivel mundial y que no forma parte de las trilogías originales. Asimismo cabe señalar que esta fue la primera película animada de Star Wars, destinada a servir de introducción de la serie televisiva homónima y que se basa en la serie previa también del mismo nombre.
Los acontecimientos de Star Wars tienen lugar en una galaxia ficticia de nombre desconocido y en un tiempo no especificado. Además de las razas humanas, en la saga son descritos muchos tipos de especies extraterrestres procedentes de los numerosos planetas y satélites que forman dicha galaxia. Otros personajes recurrentes son los robots y los androides, creados generalmente para servir a un propósito, observándose así droides astromecánicos,[6] médicos,[7] de protocolo[8] o de combate,[9] entre otros.
Los viajes espaciales son comunes y la mayoría de los planetas que aparecen en la saga están afiliados a la República Galáctica, la unión democrática que rige la galaxia y cuyo gobierno, presidido por un Canciller Supremo, está formado por representantes elegidos o designados de toda ella agrupados en el llamado Senado Galáctico, ubicado en el planeta capital Coruscant.[10] [11] En oposición a la República se encuentra la Confederación de Sistemas Independientes, siendo el enfrentamiento de ambas uno de los temas más importantes en la trama de las tres primeras películas de Star Wars.
Un elemento clave en la saga es la «Fuerza», un poder metafísico y omnipresente que impregna el universo y todo lo que hay en él.[12] La Orden Jedi es una organización de caballeros unidos por su creencia y percepción de la Fuerza, quienes se desempeñan como guardianes de la paz y la justicia en la República Galáctica.[13] Se entrenan en el uso del sable de luz o espada láser, un arma similar a una espada tradicional salvo por el hecho que su hoja es un haz de energía, y son capaces de manejar la Fuerza y lograr así habilidades como la telequinesis, la clarividencia, el control mental o una amplificación de los reflejos, la velocidad y otras capacidades físicas.[12] No obstante y aunque dicho grupo la utiliza con fines positivos, tiene un lado oscuro provocado por la ira, la agresión y el odio.[14] Este lado es usado por los Sith, los principales antagonistas de los Jedi, con el fin de exterminarlos y controlar el universo.[15] [16]

Planetas y poblaciones

Artículo principal: Planetas de Star Wars

Mapa de la galaxia ficticia donde tiene lugar la saga de Star Wars.
La galaxia ficticia en la que tienen lugar los acontecimientos de Star Wars está formada por varias regiones, que a su vez se subdividen en sectores y sistemas, con numerosos planetas y satélites como Bespin, Dagobah, Utapau o Yavin, y entre los que destacan principalmente:
Coruscant: capital de la República Galáctica. Se encuentra situado en el centro de la galaxia y es uno de sus planetas más poblados, hasta tal punto que casi todo en él es una gran ciudad. En él se encuentran el Senado Galáctico y el Templo Jedi, sede de la orden y donde se reúne su consejo.[17]
Endor: una luna montañosa caracterizada por sus grandes bosques y situada en el sistema homónimo. Sus habitantes más conocidos son los ewok, uno seres de pequeño tamaño cuya forma corporal se asimila a la de los osos.[18]
Geonosis: de aspecto rocoso y árido. Sus principales pobladores, los geonosianos, tienen rasgos insectoides y sus construcciones son similares a los nidos de termitas.[19]
Hoth: un inhóspito planeta helado cuya temperatura se mantiene durante todo el día bajo cero grados. Entre su fauna autóctona se encuentran el depredador wampa y el tauntaun.[20]
Kamino: azotado por fuertes lluvias, es un planeta acuático cuyos habitantes dominan la tecnología de la clonación.[21]
Kashyyyk: un planeta selvático. Está poblado por los wookiees, quienes viven en ciudades construidas sobre los grandes árboles del planeta y que se caracterizan por la gran cantidad de vello que cubre su cuerpo y por su altura, alcanzando en su forma adulta más de dos metros.[22]
Naboo: con capital en Theed,[23] es un pacífico planeta colonizado por los humanos y colmado de verdes praderas y colinas.[24] Sus habitantes nativos son conocidos como gunganos, tienen forma de anfibio y su mayor ciudad, Otoh Gunga, se encuentra sumergida bajo el lago Paonga.[25]
Tatooine: un planeta desértico iluminado por dos soles y con un duro clima. Poblado escasamente, la mayoría de sus habitantes trabajan en granjas de humedad, donde emplean vaporizadores con el fin de obtener agua para su propio consumo y venta. Está bajo el control de los hutts y es un lugar de tránsito para piratas, cazarrecompensas y traficantes.[26] Entre sus pobladores autóctonos se encuentran los jawas, unos pequeños vendedores de chatarra que se cubren por completo con una túnica,[27] y los tusken o moradores de las arenas, una agresiva raza muy territorial y xenófoba que rechaza la convivencia con cualquier otra en el planeta.[28]

Películas

La saga cinematográfica de Star Wars comenzó con la película A New Hope («Una nueva esperanza»), estrenada en cines el 25 de mayo de 1977. A ella le siguieron dos continuaciones: The Empire Strikes Back («El Imperio contraataca»), estrenada el 21 de mayo de 1980, y Return of the Jedi («El retorno del Jedi» o «El regreso del Jedi»), estrenada el 25 de mayo de 1983. Ambas secuelas aparecen numeradas en su escena de apertura como «Episodio V» y «Episodio VI», respectivamente, aunque en realidad fueron promocionadas solamente con sus respectivos subtítulos. La cinta original de la serie fue titulada simplemente Star Wars («La guerra de las galaxias»), pero más tarde adoptó el subtítulo Episode IV - A New Hope con el fin de diferenciarla de sus secuelas y posteriores precuelas.[29]
En 1997 y con motivo del vigésimo aniversario del estreno de Star Wars, George Lucas lanzó una serie de ediciones especiales de las tres primeras películas en las salas de cine. Los relanzamientos incorporaron cambios significativos respecto a las ediciones originales, principalmente en el campo de los efectos generados por ordenador, haciendo que los efectos visuales adquirieran una notable mejoría debido a que las adiciones no podían haberse hecho en su momento por la escasez de tecnología. Tiempo después, Lucas realizó más cambios en la trilogía original para posteriores relanzamientos, tales como la primera distribución en formato DVD de la misma, que fue lanzada el 21 de septiembre de 2004.[30]
Más de dos décadas después del estreno de la cinta original, el universo de Star Wars continuó con una trilogía de precuelas conformada por The Phantom Menace («La amenaza fantasma»), estrenada el 19 de mayo de 1999, Attack of the Clones («El ataque de los clones»), estrenada el 16 de mayo de 2002, y finalmente Revenge of the Sith («La venganza de los Sith»), estrenada el 19 de mayo de 2005. Tres años después Lucasfilm produjo Star Wars: The Clone Wars, una cinta animada por ordenador y estrenada también en cines, cuya trama se sitúa cronológicamente entre los episodios II y III, y constituye el primer episodio de una serie televisiva homónima que comenzó a emitirse ese mismo año en Estados Unidos.[31]
[editar] Argumento
A grandes rasgos, la trama descrita en las películas de Star Wars se sitúa en una galaxia muy lejana, donde durante siglos ha existido un cruento enfrentamiento entre los Jedi, quienes abogan por el orden y la justicia en la República Galáctica, y los Sith, una secta de seres que utilizan el «lado oscuro de la Fuerza» en su intento por apoderarse del dominio galáctico.

A pesar de las advertencias de Yoda, Obi-Wan Kenobi decide entrenar a Anakin Skywalker como un Jedi. Al final, persuadido por el Sith Darth Sidious (en su disfraz del canciller Palpatine), Anakin se convierte al lado oscuro de la Fuerza, transformándose así en Darth Vader.
En la precuela cinematográfica (iniciada por The Phantom Menace), los acontecimientos relatados se enfocan en la formación del joven Anakin Skywalker, quien es descubierto por el caballero Jedi Qui-Gon Jinn en el planeta Tatooine. Este último piensa que Anakin es el «Elegido» quien, de acuerdo a la profecía Jedi, habría de traer el equilibrio a la Fuerza. No obstante, el Consejo Jedi, encabezado por Yoda, presiente que el futuro de ese joven se halla nublado por el miedo, por lo que descartan que se trate del Elegido. A pesar de ello, tras la muerte de Qui-Jon a manos del Sith Darth Maul, permite que el aprendiz de Qui-Gon, Obi-Wan Kenobi, entrene a Anakin. Al mismo tiempo, el planeta Naboo se encuentra bajo ataque y su gobernante, la reina Padmé Amidala, busca el apoyo de la orden Jedi para repeler el ataque. En realidad, el Sith Darth Sidious ha planeado de forma discreta dicho ataque, con tal de hacer que su álter ego, el senador Palpatine, pueda derrocar al Canciller Supremo de la República.[12] El resto de la trilogía relata la caída de Anakin al lado oscuro de la Fuerza, mientras que Palpatine manda crear un ejército para vencer a los Jedi y convencer a Anakin de convertirse en su aprendiz.[14] Anakin y Padmé se enamoran y deciden casarse en secreto, quedando ella embarazada. Finalmente, el joven aprendiz de Obi-Wan sucumbe ante su ira y miedo (tal y como había predicho Yoda), convirtiéndose en el Sith Darth Vader. En el proceso, Palpatine reorganiza la República transformándola en el nuevo Imperio Galáctico, y como primera acción ordena a Vader exterminar a la orden Jedi. Al enterarse de la conversión de Anakin al lado oscuro, Obi-Wan decide enfrentarlo en una batalla de sables de luz en Mustafar, de donde sale victorioso, dejando a Vader moribundo en el lugar. Momentos después, llega Palpatine para salvar a su nuevo aprendiz, otorgándole para ello una armadura mecánica de color negro, que habría de mantenerlo con vida en lo sucesivo. Por otra parte, Padmé, afligida por la entrega de Anakin al lado oscuro, muere mientras da a luz a un par de mellizos, un niño llamado Luke y una niña llamada Leia, los cuales son escondidos de Vader en lugares distintos, acordando los presentes en no revelarle a nadie más quiénes son sus padres.[15] Luke es llevado por Obi-Wan a Tatooine y queda bajo el cuidado de Owen y Beru Lars, quien era el hermanastro de Anakin y su esposa; Leia es adoptada por el Senador Organa y su esposa.
La trilogía original (iniciada por A New Hope) retoma los eventos diecinueve años después del establecimiento del Imperio, momento para el cual los caballeros Jedi han sido exterminados y sólo un pequeño grupo de rebeldes se resisten al dominio imperial. Para entonces, el emperador Palpatine ha logrado terminar la construcción de la estación espacial conocida como Estrella de la muerte, la cual le habría de permitir erradicar la rebelión. Bajo esta premisa, Vader secuestra a la princesa Leia Organa de Alderaan, quien ha robado los planos de la Estrella de la muerte, logrando esconderlos en el droide R2-D2. Mientras tanto, este último, acompañado de su contraparte C-3PO, escapa al planeta Tatooine, donde es comprado por Luke Skywalker, hijo de Anakin, y sus tíos. Cuando Luke se encuentra limpiando a R2-D2, accidentalmente activa el mensaje grabado por Leia, en donde le pide ayuda a Obi-Wan. Lo anterior conmociona a Luke, quien decide ayudar a los droides en su misión de encontrar al citado Jedi, que ahora vive como un viejo ermitaño bajo el alias de «Ben Kenobi». Obi-Wan le cuenta entonces a Luke de la grandeza de su padre, mintiéndole al decir que había sido asesinado por Vader. Después de ello, ambos contratan al contrabandista Han Solo y a su copiloto, el wookiee Chewbacca, para que los lleve a bordo de la nave Halcón Milenario con los rebeldes. Al mismo tiempo, Obi-Wan comienza a enseñarle a Luke sobre el uso de la Fuerza, pero durante el viaje son atrapados por el Imperio en la Estrella de la muerte. Rescatada Leia, Obi-Wan se sacrifica ante Vader con tal de permitir que los demás escapen con los planos que le habría de permitir a la Alianza Rebelde destruir la Estrella de la muerte.[32]
Una vez destruida la estación espacial original, Vader prosigue con la persecución de los rebeldes, empezando a edificar una segunda Estrella de la muerte. Ante esto, Luke decide encontrar a Yoda, para pedirle que lo entrene como un Jedi, sin embargo antes de culminar su entrenamiento es engañado por Vader, quien finalmente captura a Han y a los demás. En el proceso, le revela a Luke que él es su padre, intentando fallidamente convertirlo al lado oscuro.[33] Luke logra escapar y retoma su entrenamiento con Yoda, quien le dice que para convertirse en un Jedi primero debe enfrentarse a su padre, revelándole también que Leia es su hermana gemela. Poco después, mientras los rebeldes atacan la segunda Estrella de la muerte, Luke se enfrasca en una batalla de sables de luz con Vader, la cual es presenciada por el emperador. Al final, en vez de persuadirlo de unirse al lado oscuro, el joven Jedi vence a Vader, a quien en su lecho de muerte le dice que todavía hay algo de bien en su interior. Antes de sucumbir ante sus propias heridas, Vader mata a Palpatine. Casi al mismo tiempo, la segunda estación es destruida en su totalidad, restaurando así la paz y la libertad en la galaxia.[34]

Sunset Boulevard

El joven guionista de cine Joe Gillis (William Holden) atraviesa una crisis creativa y económica. Sus trabajos son rechazados por falta de originalidad y además necesita dinero con urgencia, pues tiene una deuda de 290 dólares por su auto que debe saldar, sino se lo quitarán. En un intento por esconder el auto, llegará casualmente a una mansión aparentemente abandonada en Sunset Boulevard, que para su sorpresa está habitada por la antigüa estrella de cine mudo Norma Desmond (Gloria Swanson) y su mayordomo Max (Erich Von Stroheim). Desmond ha escrito un guión con el que pretende retomar su carrera, por lo que contrata a Gillis para que lo corrija y así poder revivir la gloria de antaño.

Dirigida por Billy Wilder en 1950, Sunset Boulevard es el retrato más descarnado que se haya realizado acerca del mundo del cine. Nos muestra de manera realista, lo ingrato que puede resultar, siempre reemplazando estrellas por otras, desterrándolas y en muchos casos, sin ningún atisbo o posibilidad de regreso.

El film plasmó lo traumático que resultó para las estrellas el tránsito del cine mudo al sonoro, siendo que muchas no pudieron sostener sus carreras al no adaptarse al cambio y lo que ello significaba: Tenían que dejar de lado los gestos exagerados, memorizar líneas, contar con una correcta dicción, etc. Es decir, una forma de dar vida a los personajes totalmente ajena a la que ellos conocían. En ese sentido, las reglas eran muy sencillas, o se adaptaban a este nuevo modo de hacer cine, o estaban fuera. Los estudios y el mismo público lo exigía así. No importaba si habían sido reconocidos o famosos.

En la película, Norma Desmond (Gloria Swanson) es precisamente una de aquellas divas que no logró dar ese paso, lo que significó que su carrera se fuera a pique. Sus líneas son reclamos desesperados a esa industria que la creó y que luego la olvidó sin el menor reparo, tal como se puede notar en la primera conversación con Joe Gillis (William Holden), cuando éste la reconoce:

"... Soy grande, es sólo que las películas ya no lo son... Están muertas, se acabaron... Hubo un tiempo en este negocio en que eran lo más importante. Pero eso no fue suficiente. También tenían que abrir sus bocotas y empezaron a ¡hablar, hablar, hablar!... Basta con verlos en sus oficinas, ¡Los genios! ¡Destruyeron a los ídolos! ¡A los Fairbank, a los Gilbert, a los Valentino! Y qué tenemos ahora? A unos don nadie..." .

Luego de su expulsión de la pantalla, Norma se enclaustró en su mansión, sólo acompañada por su mayordomo Max, negando así el contacto con el exterior y el paso del tiempo. Las únicas personas que frecuenta son otros actores de cine mudo (en su misma situación) con los que ocasionalmente juega una partida de bridge.

Es por eso que la llegada de Gillis, representa no sólo una conexión con el mundo exterior, sino también la esperanza de su regreso, el mismo que ha planeado al escribir el guión de "Salomé" que dice dirigirá Cecil B. DeMille y en donde ella será la protagonista a pesar de tratarse de un personaje mucho más joven que ella.

La película también toca los temas del cinismo y la falta de escrúpulos a través del personaje de Joe Gillis, quien no duda en aceptar la propuesta de la diva para corregir el guión de "Salomé", a sabiendas que el escrito no tiene ningún futuro o posibilidad que se realice y a pesar que conoce de toda la esperanza que la Desmond ha puesto en él. Acepta incluso, vivir en la mansión a expensas de Norma, quien además lo colma de regalos costosos. No obstante, el film es moralizante en este sentido, pues en una de las primeras escenas (de las antológicas en la historia del cine) podemos ver a nuestro protagonista flotando en una piscina, muerto, al mismo tiempo que se escucha una voz en off, diciendo:

"... No era más que un guionista con un par de películas secundarias en su haber. ¡Pobre imbécil! Siempre soñó con una piscina. Al final, consiguió su piscina, pero a un precio un poco alto..." .